www.eldiariomontanes.es (11.11.11)
[...] Les Muffatti hacen una lectura extraordinaria de estas deliciosas joyas, demostrando que las desvisten con placer. Exquisitez en los matices, delicadeza en los momentos más líricos, intensidad en los pasajes más fogosos, plenitud de color no exenta de refinamiento. Un cofre del tesoro que flota sobre el mar de las novedades discográficas relativas a su periodo.

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  http://www.concertonet.com (31.10.2011)
[...] Voici donc une superbe réalisation, enthousiasmante tant du point de vue de l’oreille que de notre connaissance d’une époque foisonnante en compositions les plus diverses. On aurait tort de s’en priver!

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  http://www.musicweb-international.com (10.2011)
[...] In their previous recordings Les Muffatti have proven to be a first-rate ensemble which brings engaging and animated performances. This disc is no exception. [...] Lovers of 18th-century music are well advised to follow Les Muffatti on their voyage of discovery through Sammartini's oeuvre.

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  http://www.kwadratuur.be (16.10.2011)
[...] Barokliefhebbers mogen deze opname kortom zeker niet missen!

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  http://m.ledevoir.com (19.08.2011)
[...] On a ici de justes proportions, de justes dynamiques et des couleurs seyantes. Ce n'est pas la première fois que ces excellents Muffatti se font remarquer [...]

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www.lepopulaire.fr (14.08.2010)
[...] Les quatorze musiciens et les deux chanteuses lyriques (mezzo-soprano et alto) ont enchanté la salle « Annie Baud-Kaltenbach » archi-comble. [...]

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  www.classicstodayfrance.com (11.08.2011). 10/10 du mois
[...] Ce qui est admirable avec les Muffatti, c'est ce sens aigu de la juste dynamique et du raffinement. [...] L'hautboïste Benoit Laurent est au diapason de cette fusion dans ce très remarquable et utile disque de musique baroque.

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http://gebotopia.blogspot.com (10.08.2010)
[...] Deze opvoering was zondermeer een pareltje, en mag gerust dé revelatie van het MAfestival 2011 genoemd worden, een ware ontdekking! [...]

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  www.klassiekezaken.nl (08.2011).
Een cd vol sprankelende, vrolijke barokmuziek, één en al levensblijheid. [...]

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  http://magazin.klassik.com (08.2011).
Interpretation, Klangqualität, Repertoirewert, Booklet: ****
[...] Van Heyghen setzt auf eine konzentrierte, luftige, sehr plastische Klanglichkeit und interpretiert ohne Überdruck oder vordergründiges Wollen – diese leichte Geste bekommt der Musik gut und macht Lust auf mehr Sammartini. [...]

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L'Echo (06.08.2011)
Le baroque actuel se limite trop souvent à Haendel, Bach, Telemann...

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  www.utmisol.fr (08.2011)
[...] L’ensemble belge Les Muffati fait preuve d’une parfaite connaissance de ce répertoire. Attaques percutantes, phrases ciselées, la lecture est d’une belle précision, avec une mention toute particulière pour le hautboïste Benoît Laurent.

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  www.spiegel.de (25.07.2011)
[...] L’ensemble Les Muffatti [...] nous offre avec cette anthologie dédiée à Sammartini un nouveau disque de grande classe. [...]

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  http://passee-des-arts.over-blog.com (30.06.2011)
[...] L’ensemble Les Muffatti [...] nous offre avec cette anthologie dédiée à Sammartini un nouveau disque de grande classe. [...]

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  www.musikzen.fr (15.06.2011)
[...] Reste qu'on passe de très bons moments, notamment quand interviennent les cors, en compagnie de l'orchestre baroque Les Muffatti, formé par de jeunes bruxellois : Giuseppe Sammartini ne pouvait être confié à de meilleures mains.

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  www.mdr.de/mdr-figaro (14.06.2011)
[...] Wenn man die Frische und Begeisterung hört, mit der die Musiker hier spielen, sollte es mit dem Bekanntheitsgrad Sammartinis bald besser werden. Les Muffatti bewegen sich technisch und gestalterisch auf höchstem Niveau. [...]

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Klassiek Centraal (11.04.2011)
[...] Peter Van Heyghen dirigeert bescheiden, goedmoedelijk maar met vaste hand en hij haalt alles uit het werk wat denkbaar is. Het grote pallet schakeringen die de componist voorzag, komt uitgebreid aan bod. Les Muffati is vandaag een van onze allerbeste barokorkesten. [...]

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Leeuwaarder Courant (6 september 2010)
[...] Hoe dan ook, onder aanvoering van Peter Van Heyghen bleek Les Muffatti in elk geval meer te zijn dan een stel begaafde enthousiastelingen, die zich verdiepen in authentiek spel en de muzikale zeggingskracht van barokmuziek. En ook meer dan een minutieus afgesteld apparaat dat blijft steken in een flitsende mechanische, zeg maar voorgeprogrammeerde voordracht.[...]

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Accroches n° 42 (septembre - octobre 2010)
Les Muffatti : Laboratoire baroque

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  Cambridge University Press (vol. 7/1, 2010)
Together with the singers they deliver a crisp and lively rendering of this compelling work in a clear and well-balanced recording. [...] The recording features four solo singers [...], all of whom are impressive [...]. Peter Van Heyghen and Les Muffatti have gone to considerable lenghts to remind us that Bononcini is not merely some sort of 'also ran' of Handel's generation [...] but a bright and inventive composer whose finest works, such as this gem, deserve a wider hearing. [...]

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  classiqueinfo-disque.com (06.10.2009)
Grâce au jeune label Ramée et à l’excellent ensemble bruxellois Les Muffatti, la discographie du répertoire du haut-baroque italien s’enrichit d’un enregistrement complet du plus important oratorio de Giovanni Bononcini. […] Cette parution est forcément un événement […]

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  Klassik.com (17.08.2009)
[…] Hier liegt eine erfreuliche Einspielung eines bedeutenden Werkes des barocken Oratorienrepertoires vor. Gediegenheit prägt nicht nur die musikalischen Leistungen, sondern auch den Gesamteindruck der Produktion: Cover, Booklet und CD-Box.

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  Opera Actual (06.2009)
[...] una cuidada ejecución del competente conjunto Les Muffatti y cuatro extraordinarios solistas [...]

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  Scherzo (junio 2009)
[...] Peter Van Heyghen obtiene una sonoridad redonda, homogénea, plena, soberbiamente empastada de su conjunto, todo dentro de un fraseo muy bien articulado, pero capaz de mantener en todo momento la tensión dramática, con suficiente densidad y notable vigor en los tutti y una espléndida definición de las partes solistas instrumentales. [...]

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www.mittelbayerische.de (01. Juni 2009)
Für Peter van Heyghen am Dirigentenpult kann nicht nur die Musik im Allgemeinen, sondern auch die Art der Wiedergabe die Sensibilität der Wahrnehmung bei den Zuhörern schärfen. So sind für ihn und die Musiker des jungen belgischen Ensembles „Les Muffatti“ die Beherrschung entsprechender Spieltechniken und eine genaue Stilkenntnis unverzichtbar, wenn sich Spielfreude und Spaß an der Musik zu einem gelungenen Ganzen vereinen sollen. […]

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  CD Compact (05.2009) 
[…] Les Muffatti, que tuvieron una brillante irrupción en este mismo sello Ramée con sendos disco dedicados a Georg Muffat y a Johann Christoph Pez, mantienen el altísimo nivel de entonces y se confirma como una de las agrupaciones historicistas de nuevo cuño más interesantes.

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Rhein-Erft-Rundschau (18. Mai 2009)
[…] Les Muffatti aus Brüssel bestechen vor allem durch ein klangdifferenzierendes wie konturenscharfes Continuo-Spiel, unter anderem - neben Cembalo und Barockcelli - durch Laute und Violone. Für brillantes Aufleuchten der Melodielinien sorgt eine Tenoroboe (Taille). […]

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www.general-anzeiger-bonn.de (18. Mai 2009)
[…] Les Muffatti aus Brüssel bestechen vor allem durch ein klangdifferenzierendes wie konturenscharfes Continuo-Spiel, unter anderem - neben Cembalo und Barockcelli - durch Laute und Violone. Für brillantes Aufleuchten der Melodielinien sorgt eine Tenoroboe (Taille). […]

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www.rhein-erft-online.ksta.de (17. Mai 2009)
[…]„Les Muffatti“ dosierten Klang, Temperament und Dynamik aufs Feinste. Sie leisteten Disziplin und Transparenz im Tutti und farbenfrohe, technische Souveränität im Solistischen. […]

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www.klassikinfo.de (Mai 2009)
[...] Perfektes Zusammenspiel, seidiger Klang mit allen Nuancen, eine tänzerisch geschmeidige Gangart wie bei einem Rumba-Wettbewerb wurden gekrönt von der schier unbegrenzten Virtuosität der Solisten Tumo Suni (Violine) und Marian Minnen (Cello) sowie der unauffällig-genialen Auszierungskunst der Cembalistin Kris Verhelst. […] Ein begnadeter Dirigent, ein mitreißender Rundum-Musiker […]

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  ABC Artes y Lettras (06.03.2009)
[…] Presentación, sonido y duración están a la altura de la magnífica interpretación.

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  Concerto (Februar/März 2009)
[...] Das Ensemble sekundiert flexibel und differenziert. [...] Eine wichtige Repertoirebeicherung, die Lust auf mehr macht.

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  www.musica-dei-donum.net (2009/1)
[…] In short, this is a production of the highest order, and definitely going to be one of my discs of the year.

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  Early Music Review (December 2008)
[...] The soloists are stylish, the period instrument performance is impeccable, and the booklet particularly informative [...].

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  www.klassiekezaken.nl (december 2008)
[...] Het is een uitvoering waarbij werkelijk alles in orde is. Alleen al vanwege het fraaie booklet zou deze cd op pakjesavond niet mogen ontbreken!

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  www.ledevoir.com (19 décembre 2008)
[...] Ce qu'on entend dans ces partitions manuscrites, redécouvertes par Van Heyghen à Rostock et Dresde, est inspiré et enlevant. On ajoutera à cela que la mise en forme du disque est variée, avec ouvertures (plutôt françaises) et sonates ou concertos (plutôt italiens). [...]

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  http://extra.volkskrant.nl (december 2008)
Giovanni Bononcini’s San Nicola di Bari is een oratorium uit 1693 zonder pepernoten, en handhaaft zich prima buiten het Sinterklaasseizoen. [...]

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  La Libre Belgique (17 décembre 2008)
[...] La distribution vocale, entièrement italienne, autant que l’effectif instrumental, servent une partition débordante d’invention et de vitalité, riche de références littéraires, où chaque rôle est habilement caractérisé, où les récitatifs collent au texte, où les airs mêlent le pouvoir de la voix et celui des instruments solistes. Cadeau.

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  http://classicstodayfrance.com (décembre 2008)
[...] Une perle rare? Oui. Une vraie révélation? Aussi.

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  Klassik heute (18.11.2008)
[...] Es bedarf keiner großen Umschweife, um das Projekt einer CD-Aufnahme als eine historisch verdienstvolle und künstlerisch außerordentlich zu begrüßende Tat zu würdigen. Nahezu jeder Takt dieser Einspielung beweist es. [...]

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  Diapason n° 563 (novembre 2008)
[...] la réalisation de la basse continue est d'une richesse et d'une vitalité perpétuellement enthousiasmantes. Un apport non négligeable à la discographie par trop étriquée de Bononcini.

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La Libre Belgique (31 octobre 2008)
[...] Réuni autour de Peter van Heyghen [...], cet ensemble basé à Bruxelles pourrait être rangé dans la catégorie bicommunautaire tant il agglomère avec cohérence musiciens du nord et du sud du pays. Mais ce qu’on admire surtout, c’est l’excellence des interprétations. [...]

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  L'Echo (18-20 octobre 2008)
Pas de fausse pudeur : c'est magnifique, et c'est un projet belge. Avec ce troisième CD, les Muffatti, ensemble baroque fondé par une poignée de jeunes Bruxellois, confirment leur irrésistible ascension. [...]

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www.bndestem.nl (14 oktober 2008)
[...] Orkest en soliste zorgden voor een mooie vertolking van deze hemelse muziek.

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Le Soir (30 août 2008)
I Muffatti a terminé en toute beauté les deux mois du Festival Midis-Minimes.

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  www.resmusica.com (28 avril 2008)
[...] L’interprétation brillante des Muffatti nous permet de découvrir ce qui fait que Pez n’est pas un compositeur de second plan. Tous les instrumentistes de cet ensemble offrent des couleurs rayonnantes, un sens du phrasé vertigineux à l’interprétation de ces œuvres. Les cordes osent tout, aériennes et précises, elles nous entraînent dans la chaconne du Concerto grosso (R. 18) aux confins de la souplesse et de la légèreté dans des combinaisons d’une beauté apollinienne, digne des fastes de Versailles. [...]

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  Crescendo (février/mars 2008)
[...] le recours à deux clavecins, français et italien ou l’usage d’archets copiés sur la facture de la fin du XVIIe siècle servent une réalisation admirable de légèreté, de vigueur, de souplesse et d’équilibre, où l’esprit le dispute à la pure beauté plastique (basses somptueuses, texture lumineuse des violons magnifiquement mises en valeur par une prise de son exemplaire). Un coup de maître pour le jeune ensemble belge et le label Ramée fondé voici à peine quatre ans.

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  Toccata nr. 34 (2008)
[...] Das Orchester spielt hervorragend, sehr differenziert, lebendig und ausdrucksstark. [...]

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  Goldberg n° 50 (February 2008).
[...] The playing and performances warrant only superlatives, having a rare distinction that goes beyond a natural ease, grace and buoyancy to encompass the subtlest variations of tempo, shading and phrasing, in addition to an ideal balance between parts. Splendid sound and superb presentation contribute to what is in every way an outstanding achievement.

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  www.lamediatheque.be (février 2008)
[...] Voilà donc une musique savoureuse, à l’instrumentation riche et variée, chaleureusement interprétée par ces jeunes musiciens exigeants, tant au niveau du contenu que dans la minutie artisanale portée à l’exécution. [...] De son côté, Peter Van Heyghen les dirige précisément dans cet esprit — la foisonnante gestuelle baroque et sa théâtralité propre rehaussent à merveille la puissance dramatique des Ouvertures et l’inventivité mélodique du compositeur.

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  Fono Forum (Januar 2008). Empfehlungs des Monats.
[...] Überdies werden hier alle Details so liebvoll gestaltet und so sorgsam wieder in einen warmen, ausgewogenen Ensembleklang integriert, dass man spürt, wie fasziniert die Interpreten von der unbekannten, aber sehr gehaltvollen Musik sind.

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  Diapason n° 553 (décembre 2007).
[...] Les Muffatti révélaient dès leurs premiers disques (Muffat, cf. n° 530) une formation de premier plan, mais Sophie Gent au premier violon semble aujourd'hui apporter un éclat et un soin supérieurs à la réalisation instrumentale. Aussi superbes dans les ripieni que dans les combinaisons instrumentales « à découvert » (magnifiques violoncelles et basses de violon), les Muffatti sortent de l'ombre un compositeur de premier plan avec le panache du grand talent.

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  The Bulletin (December 2007)
[...] The CD is a revelation as much for the poised exuberance of Pez's music, [...] as for the musicians' fresh and spot-on interpretation. [...]

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  www.classical.net (November 2007)
[...] The standard of playing is very high. The choices of instruments well thought-out and appropriate. There is a resulting balance of lightness yet depth to the strings in particular. This makes the music shine and endure on the ear. [...] With music of such variety, the consistency conferred upon the enterprise by this approach is illuminating and the effect transparent. Even if there were multiple other CDs dedicated to Pez' music [...], the delicacy and soundness of Les Muffatti alone would make this disc highly recommendable. They do. [...] Superb!

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De Standaard (30 November 2007)
[...] Les Muffatti konden hun sterke punten probleemloos uitspelen: een rijke, warme strijkersklank gekoppeld aan een elegante basso continuo, waarbij frasering en zin voor detail belangrijker zijn dan ritmische drive of harmonische durf. [...]

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  De Standaard (20 November 2007)
[...] is deze cd een sublieme ontdekking. Les Muffatti leven zich perfect in Pez' stijl in: ze musiceren levendig, kleurrijk, gedetailleerd en met veel zin voor retoriek. Een van de sterkste barok-cd van het jaar.

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Proxi-Liège, l'info liégeoise en ligne (18 septembre 2007)
[...] Si ce groupe brilla par sa qualité et sa cohérence, nous avons été frappés par le niveau exceptionnel des trois solistes [...]

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www.geocities.com (2007)
[...] Much better was the performance of the serenata I lamenti d'Orfeo [...] Here again we have a composer who deserves more attention than he has been given so far.

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Proxi-Liège, l'info liégeoise en ligne (11 septembre 2006)
Brillants débuts des Nuits de Septembre 2006 en la Salle philharmonique de Liège. [...] Leur prestation fut très appréciée par un public qui, bien que connaisseur, prit plaisir à découvrir des œuvres harmonieuses, rarement jouées chez nous. [...]

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  Goldberg nr. 39 (April 2006).
[...] Les Muffatti, under the direction of Peter Van Heyghen, prove to be the perfect size to realising the concerto grosso textures with clarity and economy — without sacrificing the expressive possibilities. [...]

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  http://babugem.blogspot.com (janeiro 2006). 9/10
[...] Propósito nobre e música extraordinária defendida aqui com « cordas e dedos » pelo Les Muffatti sob a direcção de Peter Van Heyghen, responsável também pela clareza das notas explicativas sobre o músico e o seu tempo. Bravo!

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  www.drehpunktkultur.at (19 Januar 2006)
[...] Die stilistische Vielzüngigkeit ist also auch die Herausforderung, und »Les Muffatti« lösen sie unter der Leitung von Peter Van Heyghen sehr überzeugend ein. »Les Muffatti« halten eine gute Balance zwischen musikantischem Zugriff und gezierter Noblesse, zwischen »Italiänischer Manier« (wie Muffat schreibt) und der munteren »auß Lullianischen Brunn geschöpfter Lieblichkeit«. [...]

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  Fanfare
[...] Particularly admirable are dances that really inflect the rhythm of dance, rather than just mark the pulse, the linearity, depth, and breadth Les Muffatti bring to the elegant, often noble slow movements, and the skill with which it exploits Muffat’s fine contrapuntal writing. [...]

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Crescendo (janvier/février 2006)
[...] À son enthousiasme si bien guidé a répondu celui moins discipliné d'un public séduit à juste titre par ce qui lui avait été si généreusement présenté.

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  American Record Guide (January/February 2006)
[...] This new release is gorgeous. The sound is very full, and it adds a new dimension to these delightful sonatas. [...]

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  Musica No. 238 (gennaio 2006).
[...] L'ensemble belga Les Muffatti sembra dunque aver preso, oltre al nome, la giusta misura del compositore eponimo. [...]

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  Fono Forum (Januar 2006). Empfehlungs des Monats.
[...] insgesamt hinterlässt die vorliegende Neueinspielung den bei weitem besten Eindruck. [...] warten Les Muffatti mit einer sensiblen Klangkultur belgischer Provenienz auf, die dieser geschmeidigen Musik höchste Gerechtigkeit widerfahren lässt.

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  Early Music Review nr. 110 (December 2005)
[...] Les Muffatti are certainly a force to be reckoned with. This version of Muffat's Armonico Tributo has gone right to the top of my playlist. [...]

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  Diapason n° 530 (novembre 2005).
[...] Le langage du genre est parfaitement assimilé : l'immense Passacaille en sol l'illustre magistralement et ne souffre d'aucun moment de faiblesse. Partenaire incontournable de cette réussite la prise de son rend compte de la cohésion de l'ensemble et fourmille de détails savoureux. [...]

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  La Libre Belgique (30 novembre 2005)
[...] Le résultat — qui bénéficie d'une excellente prise de son — est magnifique de vie et de couleurs, de style, d'aisance. [...]

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  Pizzicato Nr. 156 (Oktober 2005)
[...] Dass Muffat etwas weiter dachte, als an die Form seiner Kompositionen, hört man in diesen tief schürfenden Interpretationen, die bei aller Lebendigkeit des Musizierens die Ernsthaftigkeit der Musik Muffats vermitteln.

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  De Standaard (01 Oktober 2005)
[...] Van Heyghen kiest samen met het ensemble Les Muffatti gelukkig voor een meervoudige bezetting, zodat het concerterende karakter van deze boeiende muziek goed tot zijn recht komt.

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  www.ramifications.be (24 août 2005)
[...] Les Muffatti, sous la direction méticuleuse de Peter Van Heygen, en révèlent les nuances chatoyantes, l'élégance légère, dont la solennité reste chaleureuse et sans pompe superflue. [...]

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  www.klara.be. 4/5
[...] Het resultaat is een gecultiveerde en doorzichtige samenklank, met toch voldoende 'body'. Het spel van Les Muffatti is levendig, delicaat en homogeen. [...]

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http://www.musicweb-international.com (10.2011)

www.eldiariomontanes.es (11.11.11)

No deja de ser particular el caso de Giuseppe Sammartini, este compositor y virtuoso oboísta milanés que acabó sus días en Londres y que conoció una amplia difusión de su obra y la expresa protección del Príncipe de Gales, en cuya música el viejo Burney halló «ciencia, originalidad y fuego» y al que, en cambio, hoy no se rinde el suficiente reconocimiento, salvo en circuitos muy especializados. La obra de Sammartini, como puede deducirse de lo que se acaba de decir, no es precisamente escasa. De hecho, en este disco, uno de los retos de Les Muffatti era realizar una selección entre más de sesenta conciertos y oberturas de una elevada calidad; los músicos se han decantado por las obras menos conocidas. El resultado ha sido lo que hoy podemos escuchar: un disco en el que siete de las ocho obras incluidas son rescatadas e interpretadas por vez primera desde el siglo XVIII. El otro criterio de selección lo constituyó precisamente el aserto ya mencionado de Charles Burney: hallar la música más excelsa, original y fogosa del milanés. Esa buscada fiereza se puede encontrar en la 'Obertura del conc. op. 2 núm. 1' o en el primer movimiento de la 'Ob. op. 7 núm. 6'; una fiereza que contrasta con el delicado lirismo de, por ejemplo, el segundo movimiento del 'Conc. op. 5 núm. 4'. A estos caracteres debe añadirse el extraordinario dominio por parte de Sammartini de las diversas tendencias musicales que por entonces confluían en Europa. Les Muffatti hacen una lectura extraordinaria de estas deliciosas joyas, demostrando que las desvisten con placer. Exquisitez en los matices, delicadeza en los momentos más líricos, intensidad en los pasajes más fogosos, plenitud de color no exenta de refinamiento. Un cofre del tesoro que flota sobre el mar de las novedades discográficas relativas a su periodo.

http://www.concertonet.com (31.10.2011)

Attention à ne pas confondre Giuseppe Sammartini (1695-1750) avec son frère cadet, Giovanni Battista Sammartini (1705-1775)! Il faut dire que la période allant du milieu du XVIIe siècle à la fin du XVIIIe siècle a vu se multiplier les générations de compositeurs, le père de Sammartini ayant lui-même été un hautboïste de très grand talent, connu sous le nom d’Alexis Saint-Martin, musicien virtuose qui a semble-t-il beaucoup fait pour l’introduction du hautbois en Italie à compter de la fin du XVIIe siècle, lui qui s’était installé à Milan dès 1690. Giovanni Battista Sammartini a également eu une riche carrière de hautboïste en Italie puis, à partir de 1729, à Londres où il s’établit définitivement comme nous le narre avec force détails l’excellent livre de Bruce Haynes, The Eloquent Oboe: A History of the Hautboy from 1640 to 1760.
Aujourd’hui encore, c’est au titre de hautboïste virtuose que Sammartini est connu, ses autres ouvrages ayant été oubliés à l’exception peut-être de Memet, opéra datant de 1732 racontant les amours de Mahomet II pour la belle esclave Irène et dont une version discographique a paru il y a quelques années. Le présent disque, gravé par l’ensemble bruxellois Les Muffatti, permet de combler un vide dans le catalogue de ce compositeur dont on connaît déjà quelques symphonies, ainsi qu’une poignée de concertos et sonates dédiés principalement au hautbois mais aussi à la flûte à bec.
Le style des concertos grosso présentés ici rappelle immédiatement Georg Friedrich Händel qui ne publiera pourtant son Opus 6 qu’en 1739, soit un an plus tard que Sammartini, dont l’œuvre ne pouvait, en tout cas, manquer d’être influencée à la fois par Locatelli et Corelli. Fort classiquement, le petit orchestre répond aux instruments solistes (des violons la plupart du temps) dans des formes qui privilégient largement la douceur et le jeu (l’Allegro de l’Opus 2 n° 1) sur la complexité des lignes mélodiques. Les couleurs vénitiennes de l’Opus 5 n° 4, chatoyantes et tout empreintes de gaieté, se frottent ensuite à un climat beaucoup plus sombre, que font parfaitement ressentir Les Muffatti dans l’Andante sostenuto de l’Opus 11 n° 5. Les trois Ouvertures sont de style différent par rapport aux concertos mais aussi entre elles. Les Opus 10 n° 7 et Opus 10 n° 4 renvoient ainsi, pour la première, davantage à ce que pourra composer Telemann, la seconde conservant un style italien pouvant plutôt la rapprocher de Veracini. Quant à la troisième qui, outre les cordes et la basse continue, requiert deux cors, elle crée véritablement son propre style puisqu’on ne peut la rapprocher ni des ouvertures de compositeurs ayant œuvré dans certaines cours allemandes (on pense par exemple à Fasch), ni de pièces au style italianisant. Bart Aerbeydt et Michiel van der Linden, les deux cornistes, donnent à leur intervention une indéniable noblesse qui, là encore, préfère le jeu des timbres à la prouesse technique.
Dans son ouvrage précité, Bruce Haynes rapporte les propos d’un contemporain selon lequel Sammartini « était considéré comme le meilleur hautboïste dans toute l’Europe » (page 437). Les deux concertos présentés ici sont de facture classique: deux mouvements rapides enserrant un mouvement lent. Contrairement à ce que l’on pouvait attendre de certains compositeurs qui étaient également virtuoses dans leur instrument de prédilection (Quantz à la flûte, Vivaldi ou Tartini au violon), Sammartini n’enchaîne pas difficulté technique sur difficulté technique. Bien au contraire, le hautbois, parfaitement tenu par Benoît Laurent, prend son temps, joue ici ou là quelque appogiature sans s’y attarder, musardant au besoin en laissant toute la place qu’il convient aux cordes qu’il s’agisse de batifoler (l’Allegro débutant le Concerto en do majeur) ou de pleurer (le superbe Andante sostenuto du Concerto en sol majeur) avec elles.
Voici donc une superbe réalisation, enthousiasmante tant du point de vue de l’oreille que de notre connaissance d’une époque foisonnante en compositions les plus diverses. On aurait tort de s’en priver!

Sébastien Gauthier

When the name Sammartini turns up in books about music or liner-notes of recordings it will in most cases be referirng to Giovanni Battista. He is considered one of the pioneers of the classical style, in particular in his symphonies which had some influence on the young Haydn. In comparison his older brother Giuseppe receives less attention, although his chamber music is well represented on disc. But there is still much to be discovered in his oeuvre, as this disc proves. No fewer than seven of the eight pieces on the programme are recorded here for the first time.
Contemporaries sometimes referred to Sammartini as "(San) Martini" which is derived from his father's name: Alexis Saint-Martin. He was of French birth and emigrated to Italy. Here Sammartini was born, probably in Milan. Like his father he became an oboist, and together with his brother he played in the orchestra of the Teatro Regio Ducale in Milan in the 1720s. The German flautist Johann Joachim Quantz heard him play and ranked him among the best of his time, on the same level on the oboe as Vivaldi on the violin.
In the late 1720s he moved to Brussels and then to London, where he would remain until his death. It was here that he made a career as a virtuoso on the oboe and as composer. The music historian John Hawkins stated: "As a performer on the hautboy, Martini was undoubtedly the greatest that the world had ever known." He performed with the best musicians of his time, like Bononcini, Porpora and Handel. Many virtuosic obbligato parts in Handel's operas were performed by Sammartini. As a composer he also was rated highly. Hawkins described him as an "admirable composer" and Charles Burney wrote that his compositions were "full of science, originality and fire". In his lifetime the largest part of his printed output comprised chamber music. His concerti grossi and overtures were mostly printed after his death, sometimes deviating considerably from his intentions. The unscrupulous publisher John Walsh printed the Overtures op. 8 with oboe parts which included unplayable passages. At the same time this very fact proves Sammartini's reputation as Walsh wouldn't have printed these pieces if he hadn't expected them to find a good run of customers. The popularity of Sammartini's music is confirmed by the fact that his compositions were frequently performed by, for instance, the Academy of Ancient Music. Even in the 19th century his music still appeared on concert programmes.
The disc opens with the first of the concerti grossi op. 2, the only collection of his orchestral music which has ever been recorded complete. The various concertos and overtures show a wide range of styles and influences, which reflect the various fashions of the mid-18th century. There are some operatic traits, in particular in the Concerto for oboe in g minor, op. 8,5 which is a kind of operatic scena. It begins with an andante sostenuto; the second movement consists of four sections, the last of which is an 'adagio ad libitum' for oboe without accompaniment, which without interruption turns into the closing andante sostenuto. The Concerto for oboe in C is much longer, and a real virtuosic showpiece, reflecting the playing skills of Sammartini himself. The lyrical andante is particularly beautiful. There are many other lyrical movements as well. Interesting is the Concerto grosso in a minor, op. 5,4: in his liner-notes Peter Van Heyghen rightly refers to a similarity with the symphonies of Carl Philipp Emanuel Bach. Elsewhere we find traces of the galant idiom, and there are also old-fashioned movements which are dominated by counterpoint. Lastly, the closing Overture in G, op. 7,6 has strikingly prominent parts for two horns.
This disc is a worthwhile and important release, firstly because of the quality and the variety of the music. In addition Les Muffatti present themselves as strong advocates of his oeuvre. Peter Van Heyghen shares his views on various decisions in regard to performance practice which had to be taken. He argues convincingly that this repertoire can and sometime even needs to be played with more than one instrument per part. He also writes about the decisions in regard to the scoring of the basso continuo. Because of a lack of historical evidence this is sometimes a matter of 'informed guesswork'. Van Heyghen's honesty in admitting this is most praiseworthy as is the decision to record those pieces from Sammartini's oeuvre which are least known. In their previous recordings Les Muffatti have proven to be a first-rate ensemble which brings engaging and animated performances. This disc is no exception. The fast movements are sparkling and energetic, in convincing and never exaggerated tempi. The slow movements are played with great sensitivity and refinement. Benoît Laurent provides an impressive display of his technical prowess and his interpretative skills in the oboe parts. The contributions of Bart Aerbeydt and Michiel van der Linden at the hard-to-play natural horns are equally admirable.
Lovers of 18th-century music are well advised to follow Les Muffatti on their voyage of discovery through Sammartini's oeuvre.

Johan van Veen

http://www.kwadratuur.be (16.10.2011)

Geen paniek als de naam Giuseppe Sammartini niet meteen belletjes doet rinkelen. Het betreft immers een momenteel bijna volledig vergeten Barokcomponist, die in zijn tijd nochtans enorm geacht werd door het Engelse publiek en postuum zelfs af en toe "beter dan Händel" werd genoemd. Sammartini, die op vroege leeftijd naar Engeland migreerde in de hoop daar furore te maken, nam nooit de zuiver Angelsaksische Barokstijl over, maar bleef innerlijk trouw aan zijn Italiaanse roots door tegelijk vanuit die traditie te blijven werken. De laatste jaren vindt een kleine Sammartini-revival plaats, die zich echter toespitst op een handjevol werken en het ganse oeuvre van de componist dus niet in ere herstelt. Hoewel het album dat blokfluitist Maurice Steger bij Harmonia Mundi integraal aan de componist wijdde zeker goed heeft gedaan, volstaat dat volgens artistiek leider van Les Muffatti Peter Van Heyghen niet. Hij maakte heel bewust de moedige keuze om vooral werken op cd te plaatsen die sedert de 18e eeuw zelden of zelfs nooit werden opgevoerd. Van Heyghen vertrok echter vanuit zijn eigen oordelingsvermogen en bewijst inderdaad dat musicologen ongelijk hadden toen ze vanaf de 19e eeuw systematisch begonnen met het negeren van Sammartini's muzikale output.
Peter Van Heyghen bewijst niet in zijn eentje eer aan de ruim 250 jaar geleden overleden componist. Hij leidt het Brusselse ensemble Les Muffatti, dat zich steeds meer aan het vestigen is als vaste waarde binnen de historische uitvoeringspraktijk van de Barokmuziek. Het spreekt bovendien boekdelen dat Van Heyghen niet alleen musicus, maar ook als theoreticus een bepaalde reputatie geniet. Hij koppelt kortom een academische kennis aan grote virtuositeit (Van Heyghen is zelf blokfluitist) en geldt binnen België als een van de meest verdienstelijke Barokmusici. De echte ster van dit programma is echter niet Van Heyghen noch zijn ensemble, maar wel Benoît Laurent, inmiddels benoemd tot professor in de Barokhobo aan de Hochschule für Musik in Frankfurt. Hij richtte inmiddels zelf ook al een eigen ensemble op en is een graag geziene gast bij onder meer het Concerto Köln en de Akademie für Alte Musik Berlin. Wie hem hier twee prachtige concerti voor hobo met enorm veel affect hoort vertolken, begrijpt snel waaraan de man zijn naam en faam dankt. Puur kwantitatief ligt het zwaartepunt echter nog steeds bij Les Muffatti, die de grootste speelduur in hun eentje opvullen. Hun idee over Barokmuziek ent zich op het gegeven dat Barokmuziek intrinsiek enorm theatraal in elkaar steekt. Vanuit een liefkozing jegens het dramatische (en het Barokke) affect, ontstaan pittige, energetische uitvoeringen die zeker niet de stugheid hebben waar andere Barokensembles dikwijls mee worstelen. De historische uitvoeringspraktijk is voor Les Muffatti kortom geen anachronisme, maar een bewuste keuze die omwille van zijn authenticiteit niet minder hedendaags hoeft aan te voelen.
Technisch zowel als muzikaal valt er niets af te dingen op deze prachtige opname, die bovendien rijkelijk gedocumenteerd werd met een driedelige bijdrage van Van Heyghen zelf. Diens selectie is bovendien van een constant topniveau, waarbij de diverse aspecten van Sammartini's emotionele palet heel ongedwongen aan bod kunnen komen. Langere en kortere composities wisselen elkaar af, waarbij de algehele sfeer een zeer grote warmte blijft uistralen die door de uitstekende opnamekwaliteit alleen maar wordt versterkt. Barokliefhebbers mogen deze opname kortom zeker niet missen!

Hildegart Maertens

http://m.ledevoir.com (19.08.2011)

Ce disque blanc et beige risque fort de passer inaperçu. Ce serait bien dommage, car la subtile musique de Giuseppe Sammartini (1695-1750) est empreinte d'une grande sensibilité, bien loin de la musique baroque « au kilomètre ». Par ailleurs, l'ensemble belge Les Muffatti n'est pas de ceux qui violentent la musique par une envie exacerbée d'en découdre avec je ne sais quoi. On a ici de justes proportions, de justes dynamiques et des couleurs seyantes. Ce n'est pas la première fois que ces excellents Muffatti se font remarquer: nous vous avions parlé de leur redécouverte d'un compositeur nommé Pez. Le nom de Sammartini, contemporain de Haendel, est plus connu, ce qui n'est pas forcément le cas de sa musique. Actif en Angleterre, il fut également virtuose du hautbois, d'où la présence, dans ce disque idéal pour vos propres «soupers du Roy», de deux concertos pour cet instrument.

Christophe Huss

www.lepopulaire.fr (14.08.2011)

Ferme de villefavard : Vivaldi clôt le Festival du Haut Limousin en beauté

La treizième édition du Festival du Haut Limousin a été clôturée, hier, par un concert de l'ensemble « Les Muffatti » à la Ferme de Villefavard. Un délicieux voyage au cœur de la Sérénissime, a achevé la treizième édition du Festival du Haut Limousin… L’ensemble « Les Muffatti » a joué Gloria e Imeneo du célèbre compositeur Antonio Vivaldi. Une jolie proposition artistique du directeur Martin Kubich. «  Une après-midi internationale : un orchestre Belge qui joue de la musique italienne présentée pour la première fois en septembre 1725 dans les jardins de l’ambassadeur français à Venise  », explique le chef d’orchestre Peter Van Heyghen. Les quatorze musiciens et les deux chanteuses lyriques (mezzo-soprano et alto) ont enchanté la salle « Annie Baud-Kaltenbach » archi-comble. En effet, quelque 350 spectateurs sont venus se mettre à l’abri de l’orage dans cette salle à l’acoustique incomparable. Une musique baroque à la fois légère, rebondissante, douce, entraînante et émouvante… Les trois serenate ont été composées dans les années 1720 en l’honneur de la famille royale de France. L’une d’elles est connue aujourd’hui sous le nom de Gloria e Imeneo, elle a été commandée à l’occasion du mariage de Louis XV avec la princesse polonaise Maria Lesczynska.

Stéphanie Barrat

www.classicstodayfrance.com (11.08.2011). 10/10 du mois

Les Muffatti de Bruxelles s'étaient déjà signalés par un disque original, consacré au compositeur Johann Christoph Pez. Avec Sammartini (1695-1750), le patronyme est plus connu, mais pas forcément la musique.
Le programme rassemble trois ouvertures, trois concerti grossi et deux concertos pour hautbois. On comprend donc que la durée moyenne de chaque oeuvre est autour de 10 minutes. Les proportions réduites s'accordent avec la fine sensibilité de ce musicien italien exilé à Londres dont Les Muffatti épousent parfaitement l'art.
On croit déceler au détour de telle inflexion ou telle phrase comme une ébauche de cette Empfindsamkeit qui fera la gloire des fils de Bach actifs à Londres.
Ce qui est admirable avec les Muffatti, c'est ce sens aigu de la juste dynamique et du raffinement. On est très loin de ces ensembles de musiques baroque qui pensent que les coloris acides et l'agressivité bruyante sont gages d'authenticité. Le tact interprétatif rencontre donc ici le tact musical. L'hautboïste Benoit Laurent est au diapason de cette fusion dans ce très remarquable et utile disque de musique baroque.

Christophe Huss

http://gebotopia.blogspot.com (10.08.2011)

Zeg nu zelf, wat is er heerlijker dan genieten van een klassiek concertje op een doordeweekse zomeravond? In Brugge is daartoe dezer dagen alvast gelegenheid te over, want we zitten weer midden in het MAfestival, waarover ik eerder al berichtte.
Gisteravond ben ik zo’n concert gaan bijwonen: een opvoering van Isacco, het onbekende, ‘vergeten’ oratorium uit 1741 van de al even onbekende Napolitaanse componist Nicola Conti, op een libretto van Pietro Metastasio. Dat libretto is gebaseerd op het Bijbelse verhaal van Abraham, die door God op de proef wordt gesteld en gevraagd wordt zijn zoon Isaac te offeren. Metastasio relateert dit verhaal aan het thema van Christus’ kruisdood, waardoor een brug geslagen wordt tussen het Oude en het Nieuwe Testament. Van Conti weten we alleen dat hij opera’s heeft geschreven — maar die zijn allemaal verloren gegaan — en dat er nog een aantal religieuze stukken van hem bewaard zijn, zoals dit oratorium.
Deze opvoering was zondermeer een pareltje, en mag gerust dé revelatie van het MAfestival 2011 genoemd worden, een ware ontdekking! De minutenlange staande ovatie aan het einde van de opvoering en de vele felicitaties die dirigent en cast na afloop mochten ontvangen, logen er niet om. En dat alles dankzij het bijzonder grondige voorbereidingswerk van Peter Van Heyghen (een oud-klasgenoot van mij, voeg ik er niet zonder enige trots aan toe), die een moderne versie van het manuscript maakte – 260 pagina’s muziek – en die vanuit zijn gedegen kennis van de partituur de muzikanten weet te enthousiasmeren. Met zijn barokensemble Les Muffatti bracht hij in de Brugse Sint-Jacobskerk de moderne wereldpremière van dit twee uur durende oratorium, bijgestaan door vijf bijzonder getalenteerde jonge internationale solisten: de Portugees Fernando Guimarães (tenor), de Tsjechische Hana Blažíková (sopraan), de Chileense Luciana Mancini (alt), de Duitser David Erler (altus) en de Franse Lucile Richardot (mezzo-sopraan).

Gebo

www.klassiekezaken.nl (08.08.2011)

Een cd vol sprankelende, vrolijke barokmuziek, één en al levensblijheid. De Milanese componist Giovanni Battista Sammartini stond er halvewege de achttiende eeuw om bekend: hij verruilde het statige concerto grosso voor transparante, speelse nieuwe vormen. Op deze cd staan dan ook sinfonias en concerten — sommige als wereldpremières — met een tweetal concerti grossi ‘uit de oude doos’. Het geeft mooi aan hoe Sammartini zich ontworstelde aan het verleden. Alleen in die oudere werken hoor je nog fuga’s en een contrast tussen tutti en ripieno. In de sinfonia’s (ouvertures) klinkt echter de preklassieke stijl door, met een fraaie kleuring door natuurhoorns. Muziek uit deze ‘scharnierperiode’ is doorgaans lastig te spelen. Moet het met een conventioneel barokensemble of mag het met een steviger kamerorkest? Het Belgische ensemble Les Muffatti bewandelt het geslaagde midden: een vijftienkoppig orkest(je) gesteund door een clavecimbel. Een mooie balans met precies de gewenste transparantie. Dirigent Peter Van Heyghen breekt een lans voor Sammartini: ‘Eén blokfluitconcertje, meer kennen we niet van hem, terwijl er wel zestig orkestwerken zijn!’ Gekozen werd voor stukken die tot nu toe onder het stof lagen, veelal met een hoofdrol voor de hobo.

Jos van der Zanden

http://magazin.klassik.com (08.08.2011).
Interpretation, Klangqualität, Repertoirewert, Booklet: ****

Es sind dies die Umstände, die Beschäftigung mit Alter Musik oft so interessant und ertragreich sein lassen: Der Mailänder Giuseppe Sammartini (1695-1750) stand doppelt im Schatten: in dem seines jüngeren Bruders Giovanni Battista (1700-1775), einer über viele Jahrzehnte prägenden Größe des Mailänder Musiklebens, und später im Schatten jener kompositorischen Größen, die in London, seiner Wahlheimat, überhell strahlten: Corelli, Händel, Geminiani und noch manch anderer wären hier zu nennen. Der ältere Sammartini reüssierte in seiner Ende der 1720er Jahre beginnenden Londoner Zeit vor allem als phänomenaler Oboist, wirkte in vielen Opernaufführungen mit und trat 1736 in die Dienste des Prinzen von Wales, wo er bis zu seinem Tod im Jahr 1750 als Musiklehrer wirkte. Doch war er ein deutlich bemerkenswerter Komponist, ausweislich seiner Concerti grossi, Sonaten oder Ouvertüren. Dass dieses mehr als respektable Werk lange Zeit nur selektiv durch manche Komposition für die Oboe im Repertoire präsent war, ist durchaus erstaunlich, sind doch die Qualitäten offenkundig.
Sammartini profiliert sich in den auf der vorliegenden Platte gebotenen Concerti grossi, Oboenkonzerten und Ouvertüren als souveräner Bildner charaktervoller Formen: Die raschen Sätze geraten spritzig und frisch, die langsamen sind seelenvoll ausgeschrieben, mit schönen Melodielinien für sich einnehmend. Dabei zeigt sich Sammartini stilistisch wendig, integriert Elemente der italienischen wie der französischen Stilsphäre ohne Konflikte und verfügt dazu über eine persönliche Note: Sammartini ist ein solider Melodiker, ein bemerkenswerter Harmoniker und ein Kenner alter Satztechniken. Seine Kompositionen sind ganz überwiegend ernsthaft zu nennen. Denn bei aller Eleganz in der formalen und materiellen Gestaltung — man höre nur das eindeutig frühklassische 'Minuet gratioso' des Concerto grosso op. 5 Nr. 4 — bleibt Sammartini ein gelehrter Tonsetzer, dessen Werke niemals zeitgeistig wirken und klar im Barock verwurzelt sind. Zudem, das ist natürlich nicht überraschend, erweist sich Sammartini als Kenner der Oboe: In linearer, technischer und expressiver Hinsicht gibt er dem Solisten reichlich Futter und integriert den Solopart zugleich harmonisch in den Satz.
Luftig und klar. Peter Van Heyghen hat mit seinem Instrumentalensemble Les Muffatti nun acht dieser vielgestaltigen Werke zu einem schlüssigen Programm zusammengefügt, etliche davon wurden erstmals eingespielt. Die Instrumentalisten zeigen sich agil und spielfreudig, in den Concerti grossi mit selbstverständlichen Wechseln von Solo und Ripieno. Auch der dezent kolorierende Basso continuo wird im Wechsel von Violoncello und Erzlaute differenziert bestückt. Der Ensembleklang ist konzentriert und wirkt bei allem Klangsinn auch strukturell stark: Dazu trägt die enorm detaillierte artikulatorische Arbeit ihren Teil bei, die in den schnellen Sätzen viel präzis-federndes, plastisches Figurenwerk hörbar werden lässt, den langsamen Abschnitten aber auch zu spannungsvoll gestalteten Bögen verhilft. Intonatorisch bleiben kaum Wünsche offen, lediglich einzelne Ripieno-Passagen in den Concerti wirken in den Violinregistern nicht immer perfekt harmonisch und weisen Schwebungen auf.
Benoît Laurents Oboenspiel entspricht dem Ideal Sammartinis: Laurent verfügt über einen beweglichen, leichten Ton, artikuliert charakterunterstützend, gebietet über ausgewogen klingende Register, bringt seine virtuose Technik ein, zeigt sich aber auch als gewinnender Lyriker. Das Klangbild ist sehr plastisch und detailreich, die Register wirken gut fokussiert und sind in schöner Tiefenstaffelung abgebildet. Der Raumanteil ist präsent, aber kontrolliert, die Balance von solistischer Oboe und Ensemble ist harmonisch. Das Booklet informiert umfassend in drei Sprachen, zudem ist die Platte grafisch sehr gediegen.
Peter Van Heyghen und Les Muffatti glückt eine feine Platte, deren klingendes Tableau klar gegliedert ist und die Musik Sammartinis treffend und mit interpretatorischem Gewinn präsentiert. Van Heyghen setzt auf eine konzentrierte, luftige, sehr plastische Klanglichkeit und interpretiert ohne Überdruck oder vordergründiges Wollen – diese leichte Geste bekommt der Musik gut und macht Lust auf mehr Sammartini.

Matthias Lange

L'Echo (06.08.2011)

Le XVII^e siècle a encore de belles musiques à révéler. L’orchestre « Les Muffatti » et leur chef Peter Van Heyghen le prouvent, une fois de plus, avec un CD consacré à Sammartini. « Les Muffatti » renouvellent un genre qu’on disait épuisé…

L’orchestre baroque « Les Muffatti », formé à la fin des années 1990 par de jeunes diplômés du Conservatoire de Bruxelles, appartient à cette génération qui n’a peur de rien. Et certainement pas de reprendre le flambeau de la musique ancienne, allumé autrefois par les Kuijken et consorts. Non pas pour répéter ce qui a déjà été fait et refait, mais pour aller toujours plus loin dans un genre qu’ils sont en train de renouveler, sous la baguette, depuis 2003, du flûtiste brugeois Peter Van Heyghen.
Leur dernier CD, consacré à Giuseppe Sammartini (1700-1775) traduit, une fois encore, cette volonté de révéler des compositeurs aussi importants, à leur époque, qu’injustement oubliés aujourd’hui. Sans préjuger du succès de ce disque fraîchement pressé — et auquel participe l’hautboïste Benoît Laurent —, rappelons que les disques précédents des « Muffatti », consacrés à Johann Christoph Pez (Ouvertures & Concerti) et à Giovanni Bononcini (Oratorio San Nicola di Bari), ont acquis une place obligée dans toute discothèque ambitieuse. Le chef Peter Van Heyghen, qui est aussi professeur d’esthétique de la musique ancienne aux conservatoires de Bruxelles et de La Haye, est formel: alors que beaucoup d’enregistrements baroques actuels versent dans une certaine facilité commerciale, il ya encore moyen d’être créatif et original. Comment ?
Peter Van Heyghen : En refusant la superficialité ! Il faut, par exemple, utiliser un orgue italien pour jouer de la musique italienne, et pas un aspirateur, comme c ‘est trop souvent le cas… J’interprète le répertoire en tenant compte de l’histoire. Même Stravinsky, aujourd’hui, c’est de la musique ancienne. Je cherche donc les éléments historiques pour essayer de comprendre ce qui s’approche le plus de la partition.

L'Echo : Mais la vérité historique est très relative…
PVH : Vrai. Et je ne crois pas en une vérité historique. Mon opinion dépend de ma culture personnelle et de la psychologie de ma génération. En musique, chaque génération doit remettre en question ce qu’a fait la précédente. On ne joue plus Bach comme il y a trente ans. Les musiciens baroques ont apporté cette mentalité de recherche et d’exploration. La « Saint-Matthieu » a été jouée de la même manière uniforme et grise pendant deux siècles par les orchestres classiques. Désormais, il y a plein de versions différentes. De toute façon, quelle que soit l’approche philologique qu’on réalise d’une partition, on crée toujours de la musique contemporaine.

E : Pourtant, vous insistez sur le respect de styles nationaux…
PVH : Oui, parce que comprendre les différences de style, surtout entre le français et l’italien, est essentiel pour interpréter la musique des XVII^e et XVIII^e siècles. Le style italien est basé sur une vieille tradition polyphonique. L’harmonie est très importante: chaque son fait partie d’un accord ou d’une combinaison de sons. La structure musicale est pyramidale, avec une basse très importante, qui donne l’assise générale sur laquelle brodent les instruments du dessus, comme les violons. En revanche, le style français, d’ailleurs inventé par l’Italien Lully (certes arrivé en France à 14 ans…) s’appuie sur la mélodie, en accord avec la langue française. Il s’agit de longues phrases qui ondulent avec d’importantes variations de tessiture. Connaître les styles nationaux est d’autant plus important que l’orchestre en tant que tel naît à cette époque. C’est à la fin du XVII^e siècle, en effet, qu’il voit le jour en France avec Lully, à Rome avec Corelli et à Lübeck, avec Buxtehude. L’orchestre devient une institution, avec une direction très claire (qu’il s’agisse d’un musicien ou d’un chef), une discipline d’exécution rigoureuse avec des coups d’archet uniformes et un groupe de cordes comme noyau initial.
Cette connaissance historique est importante, car la musique a aussi une fonction politique. Chaque fois qu’il y a eu une régence en France — Mazarin, Philippe d’Orléans… —, le style italien pénètre dans l’Hexagone. Et ce style-là est considéré comme une force anti-absolutiste, démocratique, qui menace le pays. A l’inverse, l’absolutisme français s’est servi de la musique comme moyen de propagande. Aller jouer de la musique française à la cour de Vienne passait pour une agression politique !

E : Après vos enregistrements de Pez et de Bononcini, voici Sammartini, guère plus connu. Il reste tant de compositeurs oubliés ?
PVH : Oui, il y a énormément à découvrir. Ou à interpréter… autrement ! Je connaissais Sammartini par son concerto pour flûte. C’est par hasard que je suis retombé sur lui, en préparant un programme sur les amis italiens de Haendel à Londres. C’est là que j’ai découvert à peu près toutes ses partitions. Je ne m’explique pas pourquoi un tel compositeur, aussi riche sur un plan stylistique, a pu nous échapper. Dans les années 1750, il était l’un des plus joués à l’« Academy of Music » de Londres. Même remarque pour Johan-Christoph Pez, notre 2^e disque. Tout ce qu’il a composé a été publié intégralement dès 1924. Mais pas interprété…
Soyons clair : je ne cherche pas l’originalité à tout prix. Et je ne désire pas me dénicher « mon petit compositeur » rien qu’à moi. Mais se documenter sur la musique ancienne permet de compléter notre image du passé et donc mieux écrire l’histoire, qui est une création du présent.

E : Y a-t-il une philosophie des « Muffatti » ?
PVH : Le but des « Muffatti » est triple: divertir, émouvoir et cultiver. « Docere, delectare, flectere », comme disent les classiques. Je me sens comme un ambassadeur de notre héritage culturel musical.
Je regrette que le baroque actuel se limite trop souvent à Haendel, Telemann, Bach… Ils sont essentiels, mais il faut voir tout ce qu’il y a entre eux. On ne peut pas décrire la Toscane si l’on n’a vu que Venise et Sienne. Il faut avoir traversé les petites villes de moindre importance, mais qui ont toutes un Titien dans leur église…
J’avoue qu’il n’est pas toujours aisé de convaincre les organisateurs de concert de programmer Pez, Bononcini ou Sammartini. Il faut annoncer du « connu », comme du Handel par exemple. C’est une question de marketing, me dit-on. Mais pour moi, le marketing sert à vendre un produit auquel on croit. Et pas à changer le produit pour le vendre! Notre disque « Pez » a été salué partout comme une vraie réussite, mais personne n’a osé nous proposer un concert avec ce seul compositeur à l’affiche. Idem pour notre « Bononcini »… jusqu’à ce que je découvre que l’un des personnages parlait de sexe en dansant une sarabande érotique. Et tout cela dans un oratorio italien de la Contre-Réforme catholique! Du coup, cela devenait une œuvre intéressante…

E : Quel type de chef êtes-vous?
PVH : L’expérience des « Muffatti » a du sens parce qu’elle mêle l’artistique et l’humain. Un chef n’est pas là pour gêner le processus créatif par son propre ego. Il ne doit pas s’imposer, mais inspirer. Vous savez, lors de la note finale, les yeux des musiciens sont braqués sur le coup d’archet du premier violon, pas sur le chef !
Je crois aussi beaucoup à l’authenticité. Ce n’est pas chercher dans les traités la façon de faire tel ou tel accord. Je préfère regarder une belle peinture que ses coups de pinceaux. Je laisse les musicologues tirer des conclusions. Les musiciens, eux, prennent des décisions. Quand on est sur scène, on doit être convaincu de ses choix. Quitte à les revoir le lendemain. C’est cela, la beauté d’une œuvre musicale. Elle est pareille à un jardin de sable bouddhiste, patiemment dessiné, et que l’on peut effacer d’un revers de la main. Avant de tout recommencer.

Propos recueillis par Stéphane Renard

www.utmisol.fr (08.2011)

Compositeur oublié par l’histoire, Giuseppe Sammartini a quasiment travaillé toute sa carrière à Londres, au service de la famille royale. Son style distingué porte la marque d’un compositeur aristocratique, rodé au langage musical de la cour comme en témoigne fort bien l’Ouverture en ré majeur. Mais, notre maestro sait dépasser ce genre un peu contraint pour trouver une écriture plus lyrique, voire dramatique dans l’Allegro du Concerto en la mineur. Son style devient élégiaque dans l’Andantino de cette même œuvre qui prend des allures de pastorale. Le Menuet final s’impose lui par son style galant.
G. Sammartini démontre dans le genre concertant une immense maîtrise de l’écriture musicale. Son Concerto pour hautbois en do majeur déploie un discours musical brillant, virtuose. Grand soliste, il écrit pour son instrument de prédilection des pages d’une grande beauté.
Cet enregistrement fort intéressant s’achève par fastueuse et chatoyante Ouverture pour deux cors.
L’ensemble belge Les Muffati fait preuve d’une parfaite connaissance de ce répertoire. Attaques percutantes, phrases ciselées, la lecture est d’une belle précision, avec une mention toute particulière pour le hautboïste Benoît Laurent.

Marc Laborde

www.spiegel.de (25.07.2011)

Es muss nicht immer Händel sein — in instrumenteller Farbenpracht, melodischer Noblesse, auch im Einfallsreichtum war der 1695 geborene Mailänder Sammartini ein ernstzunehmender Rivale. Von 1729 bis zu seinem Tod 1750 arbeitete er in London, lange im Dienst des Prinzen von Wales. Das Ensemble Les Muffatti unter Peter van Heyghen hat großenteils unbekannte Werke ausgewählt und ist mit Lust und Können bei der Sache.

http://passee-des-arts.over-blog.com (30.06.2011)

La musique anglaise de la première moitié du XVIII^e siècle a eu bien du mal à émerger de l’ombre projetée sur elle par un ogre nommé Georg Friedrich Händel, et il a fallu la vague de curiosité née du mouvement « baroqueux » pour que réapparaisse une foule de noms jusqu’alors condamnés à l’obscurité mais qui furent pourtant tout aussi, voire parfois plus loués que celui du Caro Sassone. Parmi ceux-ci, l’ensemble bruxellois Les Muffatti a choisi Giuseppe Sammartini, auquel il consacre aujourd’hui une anthologie publiée par Ramée et intitulée Concertos & Overtures.

Dire que Giuseppe Sammartini est un parfait inconnu est inexact, puisqu’une partie de son œuvre a connu les honneurs de l’enregistrement, particulièrement ses sonates pour instruments à vents et ses concertos pour orgue. Il reste néanmoins beaucoup à découvrir sur ce compositeur né en 1695 dans une famille de musiciens d’origine française installée depuis peu à Milan, qui suivit les traces de son père, Alexis Saint-Martin, en choisissant, comme lui, de pratiquer le hautbois. Il acquit une telle maîtrise de cet instrument qu’elle lui valut d’être invité à Venise dès 1715 puis, sans doute, à Londres en 1723 et 1724, avant de faire l’admiration de Johann Joachim Quantz (1697-1773), pourtant fort peu porté à l’indulgence, qui l’entendit lors d’un concert vénitien en 1726 et en demeura durablement ébloui. Les raisons qui poussèrent Giuseppe à quitter son pays natal pour aller s’installer en Angleterre contrairement à son cadet, Giovanni Battista (c. 1700/01-1775) qui fit, lui, une brillante carrière de maître de chapelle à Milan, sont obscures. Il est probable que le relatif déclin qui commençait à toucher la musique instrumentale en Italie, les esprits étant alors tout accaparés par l’opéra, y soit pour quelque chose, même s’il n’empêchera pas Giovanni Battista de léguer à la postérité un volume appréciable de symphonies dont l’influence sera importante quant à l’élaboration, via son élève Gluck et les conseils prodigués à Johann Christian Bach (1735-1782) et Mozart, du style classique, et que la concurrence que pouvait représenter un frère bien doué soit également entrée en ligne de compte. Toujours est-il qu’en 1729, après un crochet par la cour de Bruxelles l’année précédente, Giuseppe s’installe définitivement à Londres où il connaît, à l’opéra comme au concert, un grand succès en tant que virtuose du hautbois, doublé d’une reconnaissance de son statut de compositeur, ses recueils finissant, après une période d’adaptation aux exigences du public, par bien se vendre. Entré au service du prince Frederick de Galles en 1736, en qualité de maître de musique de sa femme et de ses filles, mais également de directeur de sa musique de chambre, Giuseppe Sammartini conserve ce poste jusqu’à sa mort survenue subitement en novembre 1750.

Sa musique instrumentale, telle qu’elle apparaît dans cet enregistrement très complet, est un kaléidoscope fascinant qui, au même titre que nombre de pages signées par Charles Avison (1709-1770), Thomas Arne (1710-1778) ou William Boyce (1711-1779), s’enracine profondément dans la jeune tradition inaugurée par Francesco Geminiani (1687-1762), dont les premiers Concerti grossi d’après Corelli sont publiés en 1726, et l’inévitable Händel, dont l’Opus 6 paraît en 1739, tout en regardant déjà au-delà, vers le style combinant fluidité « galante » et clarté déjà classique d’un Johann Christian Bach (installé à Londres en 1762), teinté, ça et là, des élans préromantiques qui commençaient déjà à agiter la musique d’Allemagne du Nord. Bien sûr, il ne faut pas demander à ces œuvres autre chose que ce qu’elles peuvent offrir ; conçues pour l’agrément d’un public choisi, elles font, la plupart du temps, primer la légèreté et la virtuosité sur l’effusion personnelle, quand bien même quelques nuages, particulièrement dans les partitions en mode mineur, viendraient assombrir un horizon généralement assez riant. Il convient cependant de ne pas se laisser abuser par cette apparence de facilité, car un peu d’attention dévoile l’art d’un compositeur parfaitement maître de son métier et suffisamment intelligent pour parvenir à brasser tous les styles musicaux avec lesquels il a pu être en contact grâce aux voyages effectués et aux contacts noués durant sa carrière. Conjuguant le goût du chant de son Italie natale avec la solennité et l’élégance françaises tout en les adaptant au goût du public anglais pour une tempérance laissant leur place au brillant et à la surprise, ses œuvres sont de passionnants témoignages d’une époque où du baroque marcescent étaient en train de naître les prémices du classicisme et du romantisme.

L’ensemble Les Muffatti, dont les précédentes réalisations consacrées, chez le même éditeur, à Georg Muffat et Johann Christoph Pez avaient été saluées pour leurs hautes qualités, nous offre avec cette anthologie dédiée à Sammartini un nouveau disque de grande classe. Il déconcertera sans doute ceux qui pensent que la musique anglaise du deuxième quart du XVIIIe siècle doit sonner avec la violence et la sécheresse affichées par Café Zimmermann dans son décevant enregistrement consacré aux concertos contemporains d’Avison, mais ravira ceux pour qui la vigueur n’exclut ni la mesure, ni les demi-teintes. Il me semble, en effet, qu’une des réussites incontestables de cette entreprise, qui a malheureusement échappé à l’écoute trop cursive de certains critiques « officiels », est d’entrer parfaitement en résonnance avec les autres expressions artistiques contemporaines, qu’il s’agisse de la peinture (Hogarth, Lambert, Hayman) ou des jardins (Spring Gardens, Chiswick Gardens), en offrant une interprétation où s’équilibrent parfaitement les exigences de solidité et de clarté préclassiques, les frissons préromantiques et les derniers feux du baroque. Les musiciens composant Les Muffatti, tous dotés de très solides capacités techniques, font preuve d’une écoute mutuelle, d’une réactivité et d’une souplesse remarquables qui leur permettent de faire vivre la musique de Sammartini avec ce qu’il faut d’allant mais aussi de naturel, sans jamais se sentir obligés de presser le pas ou de solliciter le texte à outrance. Leur lecture fait, de façon tout à fait pertinente, le pari des nuances et du raffinement, avec une texture orchestrale qui conjugue malléabilité, densité et transparence, une esthétique parfaitement relayée par la prise de son d’orfèvre ciselée par Rainer Arndt, dont la splendide ampleur acoustique ne sacrifie rien de la précision dans le rendu des timbres et des lignes. Il faut saluer aussi le dynamisme du concertino mené d’archet de maître par le premier violon Sophie Gent, ainsi que les interventions solistes de Benoît Laurent, dont le hautbois lumineux et fruité fait des merveilles de sensualité, d’humour et de sensibilité dans les deux concertos dédiés à son instrument, sans oublier les deux cornistes Bart Aerbeydt et Michiel van der Linden qui caracolent brillamment dans l’Ouverture en sol majeur sur laquelle se referme le disque. Peter Van Heyghen mène ses troupes avec beaucoup de finesse et de détermination, mettant en valeur avec une indiscutable intelligence, qui en dit long sur la qualité du travail préparatoire effectué sur les partitions et le contexte de leur création, les détails et les trouvailles d’une écriture plus riche et surprenante que ce qu’une approche superficielle pourrait laisser supposer.

Je vous recommande donc cette excellente anthologie consacrée à Giuseppe Sammartini par Les Muffatti qui conjugue à merveille les plaisirs, celui de la découverte d’un répertoire rare — sept inédits sur huit pièces enregistrées — et de la dégustation d’une musique pleine d’esprit et d’élégance. Les amateurs curieux et exigeants ne manqueront pas de continuer à suivre avec la plus grande attention le passionnant et ambitieux travail de redécouverte de pans négligés du répertoire que propose cet ensemble.

Jean-Christophe Pucek

www.musikzen.fr (15.06.2011)

J'aime le son du cor avec Les Muffatti...

Sammartini ? Si ce n'est lui, c'est donc son frère.
Prudence ! Il ne s'agit pas ici du "célèbre" Giovanni Battista Sammartini, compositeur à la personnaité bien affirmée qui mena toute sa carrière à Milan, écrivit de la musique aussi bien d'église qu'instrumentale et fut en Italie un des pionniers de la symphonie, au point qu'on a vu en lui un des précurseurs de Haydn. Les huit œuvres de ce CD sont dues à son frère ainé Giuseppe, né cinq ans avant lui en 1695, dont la carrière fut internationale et qui se limita au domaine instrumental. Hautboïste de renom, il finit par s'établir à Londres où, après avoir été remarqué par Haendel et joué sous sa direction à l'Opéra, il termina sa vie en enseignant la musqiue à la famille du prince de Galles. Ses œuvres sont extrêmement bien faites, séduisantes, et savent parfois retenir l'attention, mais on est frappé par leurs côtés prévisibles et leur manque d'originalité. Alors que Giovanni Battista s'inscrit dans la dynamique de l'époque, Giuseppe relève pleinement (avec ses qualités) du baroque tardif : il descend de Vivaldi, mais on perçoit chez lui, pas seulement en surface, les temps nouveaux. Reste qu'on passe de très bons moments, notamment quand interviennent les cors, en compagnie de l'orchestre baroque Les Muffatti, formé par de jeunes bruxellois : Giuseppe Sammartini ne pouvait être confié à de meilleures mains.

Marc Vignal

www.mdr.de/mdr-figaro (14.06.2011)

Dass Joseph Haydn den Komponisten Giuseppe Sammartini angeblich als "Schmierer" bezeichnete, ist nicht verbürgt. Fest steht jedoch, dass der Einfluss von Giuseppe Sammartini auf die Musik im 18. Jahrhundert heute gerne unterschätzt wird. Zeitgenossen setzten ihn auf eine Stufe mit Corelli, Geminiani und sogar Händel. Das belgische Ensemble Les Muffatti hat auf seiner aktuellen CD eine Auswahl an Ouvertüren und Concerti des Mailänders zusammengestellt. Teilweise sind es sogar Weltersteinspielungen. Wenn man die Frische und Begeisterung hört, mit der die Musiker hier spielen, sollte es mit dem Bekanntheitsgrad Sammartinis bald besser werden. Les Muffatti bewegen sich technisch und gestalterisch auf höchstem Niveau. Keine kompositorische Kühnheit geht hier verloren, keine virtuose Klippe, die nicht souverän genommen wird. Hervorzuheben sind unbedingt die Soli der Konzertmeisterin Sophie Gent und des Oboisten Benoît Laurent.

Klassiek Centraal (11.04.2011)

Les Muffatti puike barokambassadeurs

Giovanni Bononcini (1670-1747), het is een naam die niet zoveel zegt. We kennen hem in de rand van de barokmuziek maar veel meer dan dat roept de naam niet op. Bij leven genoot hij welzijn van het succes dat hij overal in Europa ten deel viel. De naam Bononcini lag destijds op de lippen maar de geschiedenis kent haar verloop en dat verloop is altijd grillig. Tijdens het leven verguisde figuren verwerven overgankelijke roem, levende legendes hun naam wordt uiteidelijk slechts een nota in een of ander stofferig boek. Het tij kan ook keren en die kering is er stilaan voor Bononcini. Peter Van Heyghen onstofte het oratorium van de destijds (bijna?) 20-jarige Giovanni die in opdracht van de hertog Francesco II van Modena het libretto La Maddalena a' piedi die Cristo van Ludivico Froni op muziek zette. Je leest het goed en wel, 20 jaar was de componist. Wie het werk beluistert zonder dit te weten, moet je maar eens vragen of dit door een jong of een rijper man is gecomponeerd. De melodische rijpheid van de vele aria's is zo sterk dat ieder wel aan een ervaren kerel zal denken.
Potrai vincere quell' affettto. Amor terreno zingt deze aria maar de zin is op zoveel toepasselijk dat ik hem gebruik om te verwijzen naar de gevoelens die zowat alle luisteraars in Amuz (vrijdag 8 april) moeten ingepalmd hebben tijdens het concert waar dirigent Peter Van Heyghen zijn ensemble Les Muffati en een schare solisten leidde door dit zo melodisch en instrumentaal harmonisch sterk geladen oratiorium waar geen koor voorzien is en het bij solisten, basso continuo's en orkestbegeleiding en twee korte ouvertures (deel I en deel II) blijft.
Het verhaal gaat over Maria Magdalena die de speelbal is van een naar mythologie verwijzende amors, een goede en een slechte. De goede: Amor celeste, de slechte: amor terreno. De goede is voor sopraan — Lauren Armishaw — met soms heel lyrisch veredelende melodieën en de slechte is voor een donkere, diepe alt — Gabriella Martellacci — met hardere zang al zijn verleidelijke aria's absoluut deel van de partij. 'Maddalena' — geschreven voor een soepele sopraan die dicht bij de colloratuur staat, hier Lavinia Bertotti — weet zich te redden. Er is de hypocriete 'fariseo' (farizeeër), een tenor — Mario Cecchetti — die doet alsof hij die wulpse Maddalena verafschuwt maar met een schuin oog toch maar naar haar welvingen gluurt en hoopt haar liever vandaag dan morgen meer dan gewoon gedag te zeggen… Gelukkig is er Cristo (Christus) — gezongen door de bariton Furio Zanasi — die de puntjes op de i zet. Amor terreno verliest het pleit, de fariseo druipt af, amor celeste glorieert en Maddalena wordt vergeven en verheven door Cristo. In een uitebreide aria, begeleidt op een viola da spalla, gespeeld door François Fernandez, zingt ze het oratiorium in een belerende en veroordelende tekst uit maar gelukkig is de muziek zo overheerlijk dat het strenge inhoudelijke verzacht wordt.
Het orkest speelt in een eigen opstelling — de violisten spelen rechtstaand op een verhoog achter de celli, contrabas, klavecimbel, aartsluit en orgel. Deze ongewone opstelling geeft een ontzettend rijke klank die je van een barokorkest niet meteen verwacht. Peter Van Heyghen dirigeert bescheiden, goedmoedelijk maar met vaste hand en hij haalt alles uit het werk wat denkbaar is. Het grote pallet schakeringen die de componist voorzag, komt uitgebreid aan bod. Les Muffati is vandaag een van onze allerbeste barokorkesten. Wie er zou aan twijfelen moet maar gaan luisteren. De solisten bevallen me stuk voor stuk behalve de Maddalena. De muzikaliteit van de zangers is in orde maar haar stem is scherp als een mes, zeker in de hoogte en die hoogte kan ze niet al te best aan. Ze heeft de belangrijkste rol en haar vertolking weerhoudt er me van om een Gouden Label toe te kennen voor een concert dat dit label waarschijnlijk zou gekregen hebben. Het contrast met vooral Lauren Armishaw kan moeilijk groter. Zij is een volmaakte baroksopraan. Een zeer zuivere, mooie, zachte en zaalvullende sopraan met een knappe dictie. De tenor en bariton zijn algemeen genomen goed maar het zijn geen supervertolkers. Ze lopen in de rij, zingen alles wat Van Heyghen van hen vraagt maar de eigen inbreng is mijns inziens minder groot. Des te meer is de persoonlijkheid van de opvallend diepe en karaktervolle Gabriella Martellacci. Een overdonderende stem en een waanzinnig acteertalent vol Italiaans vuur. Het is eens wat anders dan de koele contratenoren. Een algemeen zeer goede uitvoering en een zeer melodisch en harmonisch sterk barokwerk is een combinatie die om een opname vraagt. Komt ze er? We zullen het opvolgen.

Ludwig Van Mechelen

Leeuwaarder Courant (6 september 2010)

Les Muffatti puike barokambassadeurs

Had ze nog geleefd dan was Anna van Hannover zaterdag vast en zeker bij het concert door het authentiek uitgeruste Brussels barokorkest Les Muffatti geweest, alleen al om te kunnen wegdromen bij de composities van de haar bekende Jean-Marie Leclair, een van de grotere componisten en musici uit de barok. Ooit zag zij kans hem naar de Friese hofstad te halen.
Later, in haar Haagse periode, lukte het haar ook nog om de jonge Mozart aan het hof te laten verschijnen. Als ze erbij was geweest had ze ons meteen kunnen vertellen hoe het zit met de authentieke klank en speltrant van dit en heel veel andere, met oude instrumenten uitgeruste orkesten.
Hoe dan ook, onder aanvoering van Peter Van Heyghen bleek Les Muffatti in elk geval meer te zijn dan een stel begaafde enthousiastelingen, die zich verdiepen in authentiek spel en de muzikale zeggingskracht van barokmuziek. En ook meer dan een minutieus afgesteld apparaat dat blijft steken in een flitsende mechanische, zeg maar voorgeprogrammeerde voordracht.
Les Muffatti bruiste, liet incidentele strijkerssoli sierlijk voorbij dwarrelen en etaleerde zoveel spontaniteit en elan dat men zich voor deze Franse barokmuziek, die in tegenstelling tot de Italiaanse wat minder kleurcontrasten kent, geen betere ambassadeurs kan wensen. Een smachtend allegro, een wiegend adagio, Vivaldiaanse echodynamiek, het was moeilijk kiezen tussen Leclairs vier concerten.
Het ging zaterdagavond om concerten voor viool, strijkers en basso continuo. Op een na dan: daarvoor bood Leclair als alternatief solo-instrument de fluit, iets wat Les Muffatti met beide handen had aangegrepen om traverso-ster Georges Barthel aan te trekken. Die verpakte Leclairs delicate krulwerk in mild, soms fluisterzacht spel. En in een adagio liet hij zijn tere klanken harmoniëren met een ernstige, lang doorgetrokken bastoon. Barthel soleerde ook in het enige niet-Leclair onderdeel: een iets uitbundiger fluitconcert van de Brusselse Henri-Jacques De Croes.
Luis Otavio Santos, die op cd enkele sonates vastlegde die Leclair ooit opdroeg aan Anna van Hannover, spon in de andere concerten zijden draden op zijn viool. Prachtig hoe hij die soms liet samensmelten met bijdragen uit de achterhoede. Elegant, subtiel naar voren tredend en met een makkelijk ogende virtuositeit leek zijn solospel niet alleen een ode aan Leclair de componist te zijn, maar ook aan Leclair de vioolvirtuoos.
De nagalm in de Grote Kerk speelde het publiek overigens behoorlijk parten. Een positie op rij tien, waar ik een klein deel van het concert meemaakte, bleek al rampzalig.

Rudolf Nammensma

Accroches n° 42 (septembre - octobre 2010)

Les Muffatti : Laboratoire baroque

Nés du désir de jeunse musiciens d'aborder ensemble la musique orchestrale baroque, Les Muffatti se sont d'emblée distingués par la qualité de leurs productions. Sous la direction de Peter Van Heyghen, l'ensemble se voit aujourd'hui invité dans de prestigieux festivals aux Pays-Bas, en France, en Allemagne, en Italie et au Portugal. Après les sorties discographiques remarquées de Georg Muffat, Bononcini et Pez, Les Muffatti poursuivent leur travail d'exploration avec un album consacré à Giuseppe Sammartini.

Comment s'est constitué l'ensemble Les Muffatti ?
Peter Van Heyghen : Au départ, ce sont quelques étudiants des classes de cordes du Conservatoire de Bruxelles qui ont décidé de se réunir parce qu’ils trouvaient qu’il y avait trop peu de musique baroque dans leur répertoire. Et ce noyau dur est toujours resté le même.
Benoît Vanden Bemden (membre fondateur de l’ensemble) : Dans un premier temps, nous ne nous retrouvions qu’une fois par an autour d’un projet de concert. En 2003, nous avons invité Peter Van Heyghen pour diriger un Oratorio de Bononcini. Comme nous étions très satisfaits du résultat, nous lui avons proposé de diriger l’ensemble.
PVH : Et j’ai tout de suite accepté mais à une condition, que l’on se mette à jouer sur des instruments baroques !

Le nom de l’ensemble évoque celui du compositeur Georg Muffat, pourquoi cette référence ?
BVB : Au départ, c’est un peu un hasard. Nous devions trouver un nom à mettre sur le programme et, comme nous jouions justement du Muffat… Et puis, c’est resté. C’est un nom allemand, italianisé et auquel on a ajouté une particule française ! Cela reflète bien le mélange de styles caractéristique de l’esprit baroque et particulièrement de la musique de Muffat, qui en plus d’une œuvre musicale très riche, nous a laissé un traité sur la pratique exécutive de la musique baroque qui reste encore et toujours la source principale pour la musique française.

La spécificité des Muffatti, c’est avant tout son répertoire ?
PVH : Oui, il commence à la fin du 17^e siècle avec des compositeurs comme Lully, Corelli ou Muffat - époque où naît véritablement l’orchestre baroque avec plusieurs musiciens par voix – et continue jusqu’en 1760, date à laquelle les instruments de l’orchestre et le diapason changent. Même si nous n’excluons pas de jouer un jour du Mozart ou du Haydn, notre démarche est plutôt d’approfondir les différents styles de cette période que l’on a souvent l’impression de bien connaître, mais qui recèle encore une multitude d’œuvres et de compositeurs méconnus.

Il y a aussi un travail minutieux de recherche dans l’interprétation…
PVH : Je ne suis pas quelqu’un qui croit à l’existence d’une vérité. Pour moi, cela rentre en contradiction avec la démarche même de l’artiste. Ma démarche est de consulter les sources historiques et de m’en inspirer pour essayer des choses. Dans ce sens, nous sommes une sorte de laboratoire permanent. Par exemple, nous avons découvert dans les sources, qu’avant 1730, les archets étaient beaucoup plus courts que ceux d’aujourd’hui. Avec l’aide de facteurs, nous sommes arrivés à les recréer et avons pu observer ce que cela modifiait dans notre pratique de la musique.

Vous poursuivez aussi ce travail de découverte avec des enregistrements inédits…
PVH : Oui, ce fut notamment le cas avec notre disque d’œuvres de Johann Christoph Pez qui a suscité une grande curiosité auprès des amateurs. C’est en cherchant dans les bibliothèques de Dresde et de Rostock que j’ai retrouvé certains manuscrits qui n’avaient jamais été édités. Comme Muffat, il pratique le «  Vermischter geschmack » typique de cette période où le style allemand se définissait comme un mélange des styles italien et français. À la fin de l’année sortira, toujours chez Ramée, un album d’œuvres de Giuseppe Sammartini, un compositeur étrangement oublié alors qu’à la fin du 18^e siècle, il était le compositeur italien le plus joué à Londres. Je crois que ce sera aussi une belle découverte car lors de l’enregistrement, nous avons tous été séduits par la beauté de cette musique.

Benjamin Brooke

Cambridge University Press (vol. 7/1, 2010)

Despite Giovanni Bononcini's importance as one of the most successful and influential exponents of the 'new' Italian style around the turn of the eighteenth century, precious little of his important contribution to the oratorio genre is represented in the form of complete sound recordings. An important step in addressing this lacuna has been taken with the release of this impressive performance on disc by the Belgian ensemble Les Muffatti under the direction of Peter Van Heyghen. Together with the singers they deliver a crisp and lively rendering of this compelling work in a clear and generally well-balanced recording.
As physical CDs become rarer with the rise of digital downloads and the general shrinking of the classical music industry as a whole, a handful of smaller recording labels are distinguishing themselves in terms of both product and repertory. Few newcomers to the industry achieve this as well as the German label Ramée. Like many of the discs in the rest of their interesting catalogue, this CD is elegantly produced in all respects. Instead of the fragile jewel case, there is a folding cardboard sleeve (with a plastic insert for the disc itself) that permits a booklet that is larger than usual; this document is also put together with care, containing well-written liner notes and translations of the libretto in English, German and French.
Bononcini and the librettist Silvio Stampiglia (1664-1725) forged an important and productive partnership in the late seventeenth and early eighteenth centuries. It is probably Bononcini's operatic setting of Stampiglia's Il trionfo di Camilla regina de Volsci (Naples, 1696) that is best known to modern audiences and scholars (perhaps even through Nicola Haym's English translation made for the London stage). Yet in spite of the large number of successful collaborations between Bononcini and Stampiglia, only one oratorio resulted: San Nicola di Bari. Following its Roman premiere during Lent in 1693 it received several subsequent performances, gradually working its way north, with known instances including Urbino (1697), Florence and Vienna (1699) and probably Lucca (1721). A version of the same libretto was set anew by Leonardo Leo and was performed in Brno in 1732.
The oratorio tells the story of the pious childhood of the popular saint and his exemplary obesience to his parents — with a special focus on his mother's devotion to the care of her son's immortal soul. The libretto is typical of Counter-Reformation poetic language with its frequen botanical and biblical metaphors (the busy bee, the rose, the lily and so forth) and the quasi-exotic settings, such as Nicola's father, Epifanio, singing about the phoenix in the 'Arabic mountains'. Bononcini generally responds to the text with evocative word-painting and delicate craftmanship. He received due praise from Charles Burney for the clarity and idiomatic character of his recitative ('universally allowed to be the best of the time, and in the true genius of the Italian language' (attributed to Burney in Abraham Rees, The Cyclopaedia; or, Universal Dictionary of Art, Sciences, and Literature (London: Longman, Hurst, Rees, Orme and Browne, volume 4, 1819)), and this oratorio bears witness to his immense talents in this area of compositional practice. The influence of the concerto principle is also apparent with a number of sections featuring concertino instrumental parts for two violins and cello.
The recording features four solo singers (two sopranos, one alto and one bass), all of whom are impressive, but Lavinia Bertotti deserves to be singled out for special praise. Singing the role of St Nicolas, she demonstrates tremendous flexibility and attention to detail in her performance. She is able to produce splendid messe di voce and has good enough control to decide where to use vibrato, rather than producing it as an omnipresent by-product of modern vocal technique (as is still so often the case). She is able to match Bononcini's intimate connection between text and music, ranging from reflective arias such as 'M'incateni, e si mi sciogli' (If you bind, and if you loose me) to the boisterous exclamations of the more animated recitatives. Bertotti is especially beguiling in the aria 'D'un bel ciglio l'ardente splendore' (The radiant splendour of a fine brow), with its obbligato cello — a special point in this number, since the cello was still a relatively new solo instrument at the time — and colourful harmonic language, which provide a testament to Bononcini's modern inventiveness.
The role of Giovanna, the doting mother of St Nicolas, has a substantial reponsibility for carrying much of the drama of the oratorio, and the impressive Elena Cecchi Fedi does not disappoint in this respect. I would prefer more selectoive use of vibrato from her, but she too demonstrates her wide-ranging ability in arias such as 'A girar sul prato ameno spesso và l'Ape ingegnosa' (The industrious bee goes wandering over the sweet meadow), with all the expected contrasts between the buzzing-around and sweet long notes (sung beautifully here).
The role of Epifanio, the father of the saint, is sung by Furio Zanasi with convincing paternal warmth and gravity, but never in a barking or growling tone; his ease and comfort in vocal production is especially clear in the recitatives, which are performed with delightful ease and naturalness. One can actually understand what is being said, and this is one of the strenghts of this performance, since clarity of the text is a central goal of the singing of recitative, and one that is too rarely achieved. Zanasi does, however, have the irritating habit of ending almost every phrase with vibrato, irrespective of the context. Otherwie, he seems to have a substantial understanding of bass singing of the period, with a golden, sonorous lower register and agile and clear upper one; his vocal prowess is aptly demonstrated in the aria 'Per godere un diletto' (To enjoy a delight), which contrasts the emotions of joy and pain.
The curious character of Clizio, an alto (a fellow student of St Nicolas who is the subject of a conversion experience in Part Two of the oratorio), is sung by Gabriella Martellacci, who possesses an athletic and husky voice. She does not quite achieve the same clarity as the other singers, though this is probably owing the range of her part, at least to some degree. However, she does bring tremendous drama to the role, and does a great service to the demanding passagework in the aria 'Anima infida' (Faithless soul). We will, no doubt, continue to hear more from her in the future — especially in some of the dramatic contralto parts in the Italian repertory of this period.
The instrumental contribution to proceedings is a four-part string ensemble with concertino and grosso, in addition to a range of basso continuo instruments that includes harpsichord, cello, bass violin, archlute and organ. The playing is generally excellent throughout (with a few lapses of intonation), and the contrasts between the solo and tutti parts are convincing in conception and execution. The microphone placement for the continuo bass (sometimes cello or bass violin) is quite close and unforgiving, but this approach really helps give rhythmic impetus and drives the performance from the bass; the results are refreshing and invigorating. The balance is clear and natural, without the commonly found up-front placement of singers, and this layout creates a good spacious feel. However, some might question the decision for such hard audio separation of the continuo bowed bass and harpsichord with the singers near the middle. Perhaps ven stranger than that are the few examples where the layout of the performers changes between adjacent tracks — is it possible that the initial layout was forgotten for some later retakes? These reservations are minor indeed; Peter Van Heyghen and Les Muffatti have gone to considerable lenghts to remind us that Bononcini is not merely some sort of 'also ran' of Handel's generation — which is a fallacious idea in any case, because Bononcini was at lease fifteen years older than Handel — but a bright and inventive composer whose finest works, such as this gem, deserve a wider hearing.

Robert Rawson

classiqueinfo-disque.com (06.10.2009)

Grâce au jeune label Ramée et à l’excellent ensemble bruxellois Les Muffatti, la discographie du répertoire du haut-baroque italien s’enrichit d’un enregistrement complet du plus important oratorio de Giovanni Bononcini, San Nicola di Bari. Cette parution est forcément un événement puisqu’il n’existe pratiquement rien au disque de ce compositeur qui fut en son temps célèbre dans toute l’Europe.
Bononcini, fils et frère aîné de deux compositeurs nous est surtout connu par sa rivalité avec Haendel, dont il faillit éclipser, dans le domaine de l’opéra italien, la célébrité lors de son séjour à Londres. Après le succès de Griselda représenté plus de 64 fois (en italien comme en anglais), ce qui constitue un record pour l’époque, les deux compositeur participèrent, avec Filippo Amadei à l’écriture commune d’un Muzio Scevola. Les cabales de la vie musicale londonienne finirent par chasser Bononcini de Londres en 1733 après plusieurs affaires de plagiat plus ou moins avérées. Après avoir été célébré à Paris et Lisbonne, Bononcini s’en alla mourir à Vienne, invité de Marie-Thérèse (il avait déjà été le musicien d’élection de l’empereur Joseph Ier et de son père vingt ans plus tôt) pour le sacre de laquelle il composa un Te Deum qui demeure sa dernière oeuvre connue. Curieusement aucun des nombreux opéras seria (seul un intermezzo buffo) ni aucune des 300 cantates profanes de Bononcini n’a connu d’enregistrement, et fort peu de sa musique instrumentale, au contraire de ses oeuvres sacrées.
San Nicola di Bari, écrit en 1693, est le chef d’oeuvre de jeunesse de Bononcini, à l’époque où il travaille à Rome au service de la famille Colonna, et rencontre Silvio Stampiglia, son librettiste attitré, réformateur de la poésie italienne cherchant à éviter les complications des hyperboles baroques de Giambatista Marino en se rapprochant de la tradition de Dante et de la simplicité antique au sein d’une Academia del Arcadia formée d’écrivains et de musiciens. Leur collaboration fructueuse se poursuivra durant une trentaine d’années, Bononcini réussissant à imposer Stampiglia comme poète officiel à la cour de Vienne.
Il ne faut pas attendre de cette oeuvre du XVIIème siècle une grande machine comparable aux oratorios anglais de Haendel, mais plutôt une sorte de théâtre intime proche de la conception illustrée par Leopold Mozart (Der Mensch ein Göttesmörder) à quatre solistes, continuo et grosso, sans partie chorale, ne comportant qu’un seul duo final comme il est de mise dans l’opera seria. Le style, avec force vocalises reste proche des motets de Vivaldi, réduisant parfois l’accompagnement des arias à un seul instrument à cordes et au clavier. En ce qui concerne le choix du sujet, il est lié aux origines espagnoles des commanditaires, et ne s’intéresse à la figure du Saint-Patron du royaume de Sicile et de Naples que dans son enfance et non en rapport avec les miracles qu’on lui attribue : le sujet se concentre sur les adieux de Nicolas et de ses parents (Giovanna et Epifanio) avant que celui-ci n’entreprenne un voyage d’études spirituelles en Afrique et sur les bord du Jourdain. A travers l’invention d’un personnage de berger, Clizio, compagnon du Saint en proie aux tentations matérielles, Stampiglia donne une portée philosophique au texte que la musique de Bonncini illustre de très près. Tout cela est remarquablement expliqué dans le livret (anglais, français, allemand) par la notice érudite et passionnante du chef Peter Van Heyghen qui réussit à communiquer nombre des éléments référentiels qui peuvent échapper à l’auditeur moderne, et expliquent comment le texte résista au temps, au point de connaître une deuxième adaptation pour le compositeur Leonardo Leo en 1732.
Mais, même si l’on passe à côté de certaines allusions, cet enregistrement ne s’adresse pas à des spécialistes, et le projet des Muffatti de rendre l’oeuvre sensible et accessible à tous, malgré une utilisation de l’effectif et des instruments d’époque, est parfaitement accompli. La distribution, entièrement italienne est excellente (Elena Cecchi Fedi en Giovanna, véritable premier rôle domine le quatuor vocal), tant pour sa maîtrise du style que par la diction dans les récitatifs, élément pour lequel Bononcini était particulièrement loué par ses contemporains. Le continuo, varié et inventif est réalisé avec vivacité au luth, au clavecin et à l’orgue par des musiciens de grand talent. L’alternance rapide des airs souvent sans da capo permet à l’œuvre de garder un rythme soutenu, où tout est dit avec force et conviction sans laisser place au moindre moment de lassitude, ce qui représente un tour de force pour un spectacle liturgique dont la durée dépasse une heure vingt.
On ne peut manquer d’être touché par l’invention mélodique des airs de Nicolas tels le n°13 « M’incateni », le n°37 « Gli astri chi scintillano » où les vocalises dialoguent en duo avec un violon qui imite les scintillements des astres, ou le n°17 (Giovanna) accompagné par l’orgue et le violoncelle de part et d’autre d’une section centrale à l’agitation purement opératique. L’art du compositeur se révèle avec éclat dans tous les effets imitatifs comme le n°15 « A girar » où le violon imite la course de l’abeille virevoltant de fleur en fleur. Les classiques du genre, l’air de Clizio (« Anche il Cielo » n°23) évoquant les éclairs et les orages, le déchaînement de tempête de l’air d’Epifanio « Fan temer l’Onde », apportent un aspect spectaculaire qui, avec des moyens différents, trouveront un aboutissement dans les grands oratorios de Haydn. La danse aussi a sa part, Clizio entrant sur un air de Zarabanda, chargé de figurer son appartenance au monde du plaisir, San Nicola concluant lui-même la première partie avec une surprenante tarentelle dans laquelle il rejette l’emprise de Cupidon.
C’est une véritable réussite que le premier enregistrement de cet oratorio, qui dépasse de loin l’intérêt pour une curiosité historique : on espère comme les interprètes qu’il poussera les maisons de disque à exhumer quelques uns des opéras de Bononcini dont l’influence sur ses successeurs italiens et allemands pourrait bien être beaucoup plus importante qu’on le soupçonnait jusqu’alors.

Fred Audin

Klassik.com (17.08.2009)

Der heilige Nikolaus als barocker Oratorienheld

Giovanni Bononcinis heutige geringe Bekanntheit steht in diametralem Gegensatz zu seiner einstigen Berühmtheit – zu Lebzeiten galt er als einer der führenden Komponisten Italiens. Er entstammte einer bedeutenden Musikerfamilie und wurde an San Petronio in Bologna ausgebildet, einer zentralen Stätte der Pflege aktueller Vokal- und Instrumentalmusik. Durch den musiknärrischen Kardinal Pamphili kam Bononcini in Kontakt mit der elitären Accademia dell’Arcadia. Den Gipfelpunkt seiner Karriere bedeutete Bononcinis Wechsel in die Dienste der kaiserlichen Hofkapelle in Wien.
Ein zeittypisches italienisches Oratorium…
Das Oratorium San Nicola di Bari entstand 1693 noch in Italien. Es ist das erste barocke Oratorium, das die Lebensgeschichte des populären Heiligen Nikolaus behandelt – ein zeittypisches Werk primär betrachtenden Charakters mit einer stereotypen Abfolge von Rezitativen und Arien. In den Arien offenbart sich Bononcinis herausragende melodische Begabung. Neben Arien mit reiner Continuo-Begleitung stehen streicherbegleitete, darunter solche, in denen es zu einer Concertogrosso- artigen Aufteilung in ein Solo-Concertino von zwei Geigen und Tutti kommt, gleich wie in einigen Arien der Oratorien von Alessandro Stradella. Der Text des Nikolaus-Oratoriums ist moralisierend und eher undramatisch, wie es sich für ein Oratorio volgare (also in italienischer Sprache im Gegensatz zum lateinischsprachigen Oratorium) des späten 17. Jahrhunderts gehört. Durch die abwechslungsreiche und affektintensive Gestaltung der Arien wird das Werk aber nie langweilig.
...in gediegener Interpretation
Für musikalische Vielfalt sorgt auch die abwechslungsreiche Besetzung des Continuo-Parts mit Erzlaute, Cembalo, Orgel, Cello, Bassvioline, Violoncello piccolo und Kontrabass. Die belgischen Musikerinnen und Musiker des Ensembles Les Muffatti bemühen sich um akzentuiertes Spiel im Sinne der historischen Aufführungspraxis. Dabei ist dem Orchester ein erfreulich hoher Standard zu bescheinigen. Die Wahl der Tempi scheint schlüssig und nie übertrieben, sondern aus der Musik heraus entwickelt.
Zeittypisch an San Nicola di Bari ist auch, dass die Hauptrollen des Nikolaus und seiner Mutter zwei Sopranen zugedacht sind, die Nebenrolle des Clizio einem Alt und nur eine einzige Rolle einer tieferen Stimmlage zugedacht ist, nämlich die des Vaters des Heiligen (Bass). Die beiden Sopranistinnen Lavinia Bertotti und Elena Cecchi Fedi verfügen über sehr ähnliche helle, beweglich geführte, aber wenig charakteristische Sopranstimmen, wie sie heute bevorzugt im Bereich der so genannten Alten Musik eingesetzt werden – mit typisch italienischen Timbres, erinnernd etwa an Roberta Invernizzi. Die Damen meistern ihre Parts sehr sicher und durchaus überzeugend. Gabriella Martelaccis Alt ist charakteristischer in der Färbung, aber auch nicht zu schwer und beweglich genug für rasche Passagen. Der Alte-Musik-erfahrene Bass Furio Zanasi vereint beeindruckende Tiefe mit erstaunlicher Flexibilität und überzeugt von den Solisten am meisten. Insgesamt sind die Leistungen des Vokalensembles aber als sehr gediegen zu bezeichnen.
Hier liegt eine erfreuliche Einspielung eines bedeutenden Werkes des barocken Oratorienrepertoires vor. Gediegenheit prägt nicht nur die musikalischen Leistungen, sondern auch den Gesamteindruck der Produktion: Cover, Booklet und CD-Box.

Dr. Franz Gratl

Opera Actual (06.2009)

Hay músicos de los que tan sólo se conservan referencias bibliográficas y sus obras han quedado en el olvido. Tal es el caso de Giovanni Bononcini, compositor barroco italiano aclamado en su época y autor de 30 óperas y un buen número de oratorios, entre los que destaca San Nicola di Bari, la primera partitura que llega al público moderno en una cuidada ejecución del competente conjunto Les Muffatti y cuatro extraordinarios solistas. La referencia a Händel es inevitable y no hay que esperar grandes novedades en cuanto al estilo, contenido y estructura del oratorio. Los rasgos más personales hay que encontrarlos en el amplio arco melódico, la intensidad expresiva de las arias, y el carácter dramático del recitativo, elementos más propios del género operístico; si a esto se añade una cuidada orquestración que no se limita a un mero acompañamiento el resultado es una obra nada vulgar con elementos sobrados para situarla junto a las de repertorio. La indiscutible calidad de los solistas, dos sopranos, un bajo y en lugar destacado, la contralto Gabriella Martellacci, dan vida a los personajes de una historia que revive momentos de la interesante vida del santo, un tema inédito en el campo del oratorio.

Josep Maria Puigjaner

Scherzo (junio 2009)

Un hermoso oratorio compuesto por Giovanni Bononcini (1670-1747) a los 23 años de edad sobre un libreto de Silvio Stampiglia, uno de los fundadores de la romana Academia de la Arcadia. La obra se centra en la juventud del santo, que se presenta en las voces de cuatro personajes (junto al protagonista principal, sus padres y un compañero de estudios que acabará convertido a la virtud). Tras una Sinfonía introductoria, la obra se divide en dos partes estructuradas en los tradicionales dípticos recitativo-aria con un dúo entre Nicolás y su madre reservado para el final, en lugar del más esperado coro o cuarteto. Siguiendo las prácticas de Stradella, el equipo instrumental (sólo cuerdas y continuo) adopta la forma de concerto grosso, con un concertino de dos violines y violonchelo, que non suenan necesariamente siempre juntos, por lo que es posible encontrar arias sostenidas por un violonchelo, por dos violines e incluso por un violín piccolo en solitario (continuo sobreentendido).
Peter Van Heyghen obtiene una sonoridad redonda, homogénea, plena, soberbiamente empastada de su conjunto, todo dentro de un fraseo muy bien articulado, pero capaz de mantener en todo momento la tensión dramática, con suficiente densidad y notable vigor en los tutti y una espléndida definición de las partes solistas instrumentales. El cuanto al elenco vocal, Lavinia Bertotti no resulta siempre impoluta en la línea y su timbre es un tanto desabrido pero cumple en las agilidades y en el tono expresivo que requieren sus arias. Más ajustada y elegante, con un tratamiento también más depurado de las ornamentaciones, Elena Cecchi Fedi, de fraseo exquisito. Algo más brusca la contralto Gabriella Martellacci, buscando acaso la máxima expresividad por encima de la limpieza y la precisión, aunque sus coloraturas resultan brillantes. Furio Zanasi luce generosamente la calidez y el buen gusto de su fraseo.

Pablo J. Vayón

www.mittelbayerische.de (01. Juni 2009)

Für Peter van Heyghen am Dirigentenpult kann nicht nur die Musik im Allgemeinen, sondern auch die Art der Wiedergabe die Sensibilität der Wahrnehmung bei den Zuhörern schärfen. So sind für ihn und die Musiker des jungen belgischen Ensembles „Les Muffatti“ die Beherrschung entsprechender Spieltechniken und eine genaue Stilkenntnis unverzichtbar, wenn sich Spielfreude und Spaß an der Musik zu einem gelungenen Ganzen vereinen sollen. Der Ensemblename geht zurück auf den Komponisten Georg Muffat, dessen Vorfahren aus England vertrieben worden waren.
Und so war ihr Programm ganz englischen Tonsetzern vorbehalten. Schon in der eingangs gespielten Theatermusik von Matthew Locke und Robert Smith zu Shakespeares Schauspiel „Der Sturm“ boten die Instrumentalisten hinsichtlich der Dynamik die ganze Bandbreite zwischen Forte und Piano. Die nachfolgend vital und transparent gespielten Auszüge aus Purcells Oper „Die Prophetin“ waren mit ihren das Geschehen auflockernden Tanzsätzen barocke Unterhaltungsmusik pur.
Nach der Pause begaben sich die Musiker mit Werken von John Stanley, Charles Avison und Thomas Augustin Arne in den Spätbarock und die beginnende Frühklassik des 18. Jahrhunderts. Deutlich wurde bei der Interpretation der zwei Concerti von Stanley, und Avison, der Ouvertüre und der ersten Sinfonie von Arne die Vorbildfunktion italienischer Komponisten wie Domenico Scarlatti, Arcangelo Corelli u.a.
Klangdifferenziert und konturenscharf war hier ihr Spiel besonders im Continuo. Bewundernswert die technische Souveränität der Wiedergabe, die Wärme und Brillanz im Spiel der Melodielinien durch Stefaan Verdegem auf der Taille (Tenoroboe). Damit hielt zum Schluss der galante Stil Einzug in ein vielfältig und volltönendes Konzert, das den ungeteilten Beifall des Publikums im vollbesetzten Neuhaussaal fand.

Ulrich Alberts

CD Compact (05.2009)

La historia de la música no ha hecho todavia verdadera justicia a Giovanni Bononcini (1640-1747). Con tan sólo 15 años, había publicado ya tres colecciones de música de cámara (con el violoncelo como instrumento protagonista). Con 17, era violoncelista en San Petronio, de Bolonia, y había ingresado en la Academia Filarmónica. Y con 18, pero que suele pasar inadvertido. Parece como si Bononcini sólo existiera desde su arribo a Londres y, sobre todo, desde el inicio de su rivalidad con Händel. No es justo que el episodio por el que ha pasado a la posteridad sea ése en el que se le acusaba de plagio y por el que se vio obligado a abandonar Inglaterra. Su obra, inmensa, merecería mayor respeto.
San Nicola di Bari, oratorio para cuatro voces con concertino y concerto grosso, es una de las pocas compositiones musicales inspiradas en la vida de este santo, uno de los más venerados en el sur de Italia. El libreto es obra de Silvio Stampiglia, quien se centra en la juventud de San Nicolás, para lo cual se vale de personajes ficticios, como Clizio, un joven dado a la vida muelle que al final, persuadido por el santo, abandona los placeres terrenales por los espirituales.
Los escasos efectivos tanto vocales (cuatro) como instrumentales no le restan ni un ápice de belleza a este oratorio, que posee arias verdaderamente estremecedoras, como la de San Nicolás “M’incateni, e si mi sciogli”. Las dos sopranos (Lavinia Bertotti y Elena Cecchi Fedi) están cautivadoras en sus papeles de San Nicolás y Giovanna. Gabriella Martellacci (Clizio) posee una sensual voz grave, pero tiene un pequeño problema de rotacismo que por momentos se hace incómodo de escuchar. En cuanto al veterano baritono Furio Zanasi, poco se puede decir de él que no se sepa ya a  estas alturas. Les Muffatti, que tuvieron una brillante irrupción en este mismo sello Ramée con sendos disco dedicados a Georg Muffat y a Johann Christoph Pez, mantienen el altísimo nivel de entonces y se confirma como una de las agrupaciones historicistas de nuevo cuño más interesantes.

Eduardo Torrico

Rhein-Erft-Rundschau (18. Mai 2009)

Das Ensemble Les Mufatti bot im Brülher Schloss prunkvolle Musik

Für Liebhaber barocker Musik war das Sonderkonzert im Treppenhaus des Schlosses Augustusburg in Brühl ein wahres Fest. Nicht nur, dass mit dem Ensemble Les Muffatti ein vorzügliches Orchester zu Gast war, das sich intensiv dieser Epoche widmet, sondern auch, dass das Programm ausnahmslos mit barocken oder barocknahen Kompositionen gespickt war.
Peter Van Heyghen, ausgebildeter Flötist und Sänger sowie ausgewiesener Barockexperte, leitet das Orchester, das sich 2004 gründete, von Anfang an. Der Name geht auf den Komponist Georg Muffat zurück, der im 17. Jahrhundert als einer der ersten die Unterschiede zwischen französischen und italienischen Musikstilen systematisiert und verbunden hat. Das Besondere: Die Musikerinnen und Musiker fühlen sich nahezu perfekt in den musikalischen Gestus des Barock ein.
Die Balance zwischen der strengen Form und herausbrechenden Emotionen meistern sie souverän. Auch weniger häufig gehörte Instrumente wie der Violone, ein Vorläufer des Kontrabass, und auch die Laute kommen zum Einsatz.
Das Ergebnis ist eine extrem unterhaltsame, spannungsreiche, niemals oberflächliche, sondern tief durchdrungene Interpretation. Dies stellten sie bei diesem vom WDR mitproduziert Konzert mehrfach unter Beweis mit Werken weniger bekannter englischer Komponisten. Interessant hier, dass sich Matthew Locke und Henry Purcell auf der einen Seite sowie John Stanley, Charles Avison und Thomas Augustine Arne persönlich kannten und die drei Letztgenannten alle um 1710 geboren wurden. Locke war gar für Purcell Lehrer und väterlicher Freund. Ihre Werke sind durchaus als eigenständig zu bezeichnen, auch wenn sie vor dem Hintergrund entstanden sind, als Teil einer Theateraufführung zu fungieren. Locke schrieb seine Suite für Streicher „The Tempest“ als Semo-Oper nach William Shakespeare, Purcell steuerte 1690 „The Prophetees or The History of Dioclesian“ als Semi-Oper bei. Vielleicht liegt es auch an der Nähe zum Theater, dass diese Werke so überaus frisch, mitreißend und abwechslungsreich wirken.
Ein großer Sprung dann nach der Pause, nicht nur zeitlich, sondern auch stilistisch. Die Komponisten Stanley, Avison und Arne waren stark beeinflusst von der in Mode gekommenen italienischen Richtung, der Einfluss der französischen Ballettoper war verblasst. Sie sind zwar noch im barocken Stil verwurzelt, aber es brechen sich auch schon andere Elemente Bahn, beispielsweise kommt dem Cello in Stanleys Concerto h-moll eine exponierte Stellung zu, was zu der Zeit noch durchaus ungewöhnlich war.
Einzig Arnes Werke, auch er Schüler von Francesco Geminiani wie Avison, weisen über die Tradition hinaus, sprengen das barocke Korsett und trotzen nur so vor dynamischen Kontraste und empfindsamen Passagen.

Martina Müller

www.general-anzeiger-bonn.de (18. Mai 2009)

"Les Mufatti" spielen auf Schloss Augustusburg

Alte Musik ist an belgischen Konservatorien eine feste Größe: René Jacobs oder Philippe Herreweghe, beide herausragende Vertreter historischer Aufführungspraxis, haben musikalisch längst "Enkel" bekommen: "Les Muffatti", ein seit 2003 professionell auftretendes Barockorchester unter der Leitung von Peter Van Heyghen, hat sich "das Streben nach der perfekten Beherrschung einer musikalischen Gestik, die vollständig auf dem Prinzip der barocken Theatralik aufbaut", auf die Fahnen geschrieben.
Zu erleben war solcher Affekten-Zauber bei einem Sonderkonzert der Brühler Schlosskonzerte im Rahmen der Reihe "WDR 3, Alte Musik in NRW". Vom Theater beeinflusste oder dafür geschriebene Kompositionen von Matthew Locke (in "Koproduktion" mit Robert Smith), Henry Purcell, John Stanley, Charles Avison und Thomas Augustine Arne standen auf dem Programm dieser "English Connection".
Les Muffatti aus Brüssel bestechen vor allem durch ein klangdifferenzierendes wie konturenscharfes Continuo-Spiel, unter anderem - neben Cembalo und Barockcelli - durch Laute und Violone. Für brillantes Aufleuchten der Melodielinien sorgt eine Tenoroboe (Taille).
Nach zwei die Affekte plastisch hervorhebenden Opernsuiten im ersten folgten auf Schloss Augustusburg im zweiten Teil Concerti von Stanley und Avison und eine Sinfonie von Arne, die zwar Bezug auf ihre italienischen Vorbilder (Corelli, Domenico Scarlatti, Geminiani) nehmen, durchaus aber schon Züge eines galanten Stils tragen.

Fritz Herzog

www.rhein-erft-online.ksta.de.de (17. Mai 2009)

Farbenfrohe, technische Souveränität

Da traf es sich nun gut, dass der WDR im Zuge seines Zyklus „Alte Musik in NRW“ bei den Brühler Schlosskonzerten eine Sonderschicht einlegte und ein Spezialisten-Ensemble für diese Epoche lud: „Les Muffatti“, eine noch recht junge belgische Formation, die sich unter der Leitung von Peter van Heyghen seit 2004 anschickt, der Szene neue Glanzlichter zu setzen.
Der Name der Truppe leitet sich nicht etwa vom italienischen „muffare“ (schimmeln) ab, sondern von dem savoyardischen Komponisten Georg Muffat (1653-1704). Dessen Vorfahren waren wegen ihres katholischen Glaubens aus England vertrieben worden, und so kann sich sogar ein kleiner Bezug zum Brühler Abend herstellen lassen. Denn dieser bot Werke „echter“ Engländer: Locke, Purcell, Stanley, Avison und Arne.
Das Programm umfasste einen Zeitraum von circa 70 Jahren und begann mit Theatermusik. Von Matthew Locke und Robert Smith gab es eine Suite zum Schauspiel „Der Sturm“ (nach Shakespeare) aus dem Jahre 1674, es folgten Auszüge aus der Oper „Die Prophetin“ (1690) von Purcell. Das war eine unterhaltsame Reihe kurzer und kürzester Stücke: Pausenfüllende oder einleitende Zwischenakt-Musik, auflockernde Tanzsätze, untermalende oder beschreibende Situationsmusik. „Les Muffatti“ spielten lebhaft, pointiert und virtuos, am schönsten aber in den - leider allzu seltenen - langsamen Sätzen: Da umarmte und umhüllte der Klang, gleichsam von überall her kommend, den Zuhörer, wohl- und volltönend, schier magisch.
Der zweite Teil des anregenden Konzerts unternahm einen Zeitsprung und stellte die Wirkung berühmter Italiener auf englische Komponisten (und auch auf Agenten, Verleger, Autoren) in den Vordergrund. John Stanley huldigte (h-Moll-Konzert von 1742) Arcangelo Corelli. Charles Avison nahm sich die Cembalo-Sonaten von Domenico Scarlatti zum Vorbild für seine Konzerte (hier: d-Moll von 1744). Und Thomas Augustine Arne blickte auf Francesco Geminiani, als er seine Sinfonien schrieb. Aber nicht nur: Die beiden in Schloss Brühl gespielten Mini-Stücke (g-Dur-Ouvertüre, c-Dur-Sinfonie) stießen, sich so aus der Schablone lösend, schon das Tor zur Frühklassik auf.
„Les Muffatti“ dosierten Klang, Temperament und Dynamik aufs Feinste. Sie leisteten Disziplin und Transparenz im Tutti und farbenfrohe, technische Souveränität im Solistischen. WDR 3 sendet eine Aufzeichnung des Konzerts am Donnerstag, 11. Juni, um 20.05 Uhr.

Gerhard Bauer

www.klassikinfo.de (Mai 2009)

Am Morgen des Samstags hatte es schon Begegnung mit tatsächlich Unbekanntem gegeben, denn von den Namen der Komponisten - John Stanley, Charles Avison oder Thomas Augustin Arne - haben Kenner zwar schon gehört, aber nur kaum etwas von deren Musik. Die präsentierte dafür das Ensemble "Les Mufatti" aus Belgien auf schwindelerregendem Niveau. Perfektes Zusammenspiel, seidiger Klang mit allen Nuancen, eine tänzerisch geschmeidige Gangart wie bei einem Rumba-Wettbewerb wurden gekrönt von der schier unbegrenzten Virtuosität der Solisten Tumo Suni (Violine) und Marian Minnen (Cello) sowie der unauffällig-genialen Auszierungskunst der Cembalistin Kris Verhelst. Geleitet wird diese Wunder-Truppe von dem Blockflötisten Peter van Heyghen. Ein begnadeter Dirigent, ein mitreißender Rundum-Musiker, der in einer Chaconne von Henry Purcell sein eigenes Instrument höchst berührend spielte. Vor dieser Mischung von entfesseltem Elan und CD-reifer Spielkultur muss sich eine ruppige Band wie Les Musiciens du Louvre warm anziehen, ein René Jacobs könnte sich von dem subtilen Dirigierstil van Heyghens einiges abschauen. Und letztlich fragt man sich, was dieses Gedöns um hochbezahlte "Stars" wie Anne Sophie Mutter oder Hillary Hahn soll, wenn man Leuten wie Tumo Suni beim Zelebrieren einer wahrhaft teuflischen Kunst zuhören darf.

Laszlo Molnar

ABC Artes y Lettras (06.03.2009)

Músico viajero, Giovanni Bononcini (1670-1747) es una figura considerable en el desarrollo del oratorio y la ópera del barroco italiano. San Nicola di Bari, escrito en Roma en 1693, no só destaca por ser el único oratorio inspirado en la vida de un santo especialmente venerado en Italia. Pese a la modestia de la plantilla requerida (4 voces, cuerda y continuo), el que fuera rival de Haendel en Londres despliega acquí toda su habilidad para dotar a su escritura de la máxima variedad. Como ejemplos, la irrupción de ritmos de danza - zarabanda, tarantela - infrecuentes en páginas religiosas, o el gusto por el detalle descriptivo, ya sea el vuelo de la abeja, la evocación de una tempestad marina o el brillo de las estrellas. Presentación, sonido y duración - ¡81 minutos! - están a la altura de la magnífica interpretación.

Juan Manuel Viana

Concerto (Februar/März 2009)

Selbst versierte Freunde der Barockmusik kennen Giovanni Bononcini wohl meist aus den Büchern, insbesondere den Biographien Händels, in denen von der Konkurrenz im King's Theatre in den 1720er Jahren berichtet wird. Seine Musik jedoch ist trotz seiner historischen Bedeutung und der Wertschätzung seiner Zeitgenossen noch weitestgehend unbekannt. Die vorliegende Weltersteinspielung stellt also allein schon deswegen einen wichtigen diskographischen Beitrag dar. Das vorgestellte Werk ist darüber hinaus das einzige Oratorium, das das Leben des in Vielen Ländern so populären Heiligen Nikolaus zum Thema hat. Ihm wird im Titel der Name jenes Ortes beigegeben, in dem sich heute seine Reliquien befinden (die 1087 aus Myra in der heutigen Türkei nach Italien verschleppt wurden): die süd-italienische Hafenstadt Bari. Das Libretto stammt von einem der bedeutendsten Autoren seiner Zeit: Silvio Stampiglia (1664/1725), von dem mehrere Operntexte für Bononcini und Händel stammen (am berühmtesten ist Serse, den beide vertonten). Entstanden 1693 in Rom, verfügen Text und Musik von San Nicola di Bari über viele opernhafte Elemente. Das Ganze gliedert sich in zwei Teile, denen eine einleitende Sinfonia im Stile Corellis vorangestellt ist. Das Oratorium von gut 80 Minuten Dauer verteilt sich auf vier Personen; einen Chor gibt es nicht, nur Rezitative und Arien, einzig der Schluss ist als Duett angelegt.
Das Label Ramée, dessen Booklets und Aufnahmen immer sorgfältig gemacht sind, legt hirmit die dritte Produktion des belgischen Barockorkesters Les Muffatti vor, dem sich nun erstmals Sänger hinzugesellen. Peter Van Heyghen, der auch den instruktiven Einführungstext verfasst hat, wählte ausschließlich Sänger mit italienischer Muttersprache, was sich deutlich im Timbre und in der idiomatischen Gestaltung der Rezitative niederschlägt (für deren Abwechslungsreichtum und Lebhaftigkeit wurde Bononcini zu Lebzeiten besonders geschätzt). Das Ensemble sekundiert flexibel und differenziert. Bononcini muss, wie Antonio Caldara eine Generation später, ein ausgezeichneter Cellist gewesen sein, denn dieser Partie wird einiges abverlangt. Zahlreiche Arien sind nur mit Continuobegleitung angelegt, bei der die Cellostimme (sehr schön gespielt von Marian Minnen) obligat geführt ist. Gelegentlich schließt eine solche Arie dann mit einem kurzen Orchesterritornell.
Motivisch lässt manches an Händel denken, der abev erst rund 15 Jahre nach Entstehung des Werkes nach Italien kam. So die Arie »Un dolce affetto«, die aus einem langsamen A-Teil und einem schnellen Mittelteil besteht. Die weitere Kenntnis des Œuvres von Bononcini gibt also Aufschluss, wie Händel den damaligen italienischen Musikgeschmack und -stil adaptierte. Das Werk macht auch deutlich, weshalb Bononcini in London zum Teil noch größeren Erfolg als Händel hatte, denn es ist musikalisch sehr abwechslungsreich. Eine wichtige Repertoirebeicherung, die Lust auf mehr macht.

Helmut Schmitz

www.musica-dei-donum.net (2009/1)

Saint Nicholas is one of the best-known saints, but his reputation today as a friend of children hardly reflects his role in the history of the church. In pieces of music in which he plays a role it is mostly his many miracles which is given attention to. The oratorio which is presented here is different in that it concentrates on the youth of Saint Nicholas who is modelled as an examplary son to his parents. The story is simple: Nicholas prepares for a journey to study in Egypt and Palestine. It is shown how harmonious the relationship with his parents is, and how hard his mother takes it to let him go. Nicholas also has chosen the path of virtue and is determined to resist all worldly temptations. As a kind of opposite number the librettist is introducing Clizio, a fellow student who enjoys worldly pleasures. During the oratorio Nicholas is able to make him see the errors of his ways and Clizio shows repentance.

The oratorio was first performed in 1693 in Rome. The libretto was written by Silvio Stampiglia, who Bononcini met in the circle of the Colonna family. Filippo II Colonna was Great Constable of the Vice-Kingdom of Naples which was ruled by Spain. In Rome several churches were devoted to Spanish saints, and in one of these, San Giacomo degli Spagnoli, the first performance took place. The addition 'di Bari' in the title of the oratorio can be explained by the fact that the bones of Saint Nicholas were brought to the Italian town of Bari at Sicily in 1087. Soon the town and later the whole island accepted Saint Nicholas as their patron saint. At the time the oratorio was performed Bari was under Spanish rule.

The oratorio was one of Giovanni Bononcini's most successful work which resulted from the collaboration with Stampiglia. It was performed several times during Bononcini's lifetime. The character of the work and its spiritual message were in line with what was the goal of the oratorio in those days: to convince the audience to follow the path of virtue. In the booklet Peter Van Heyghen explains that the message isn't even exclusively Christian, as it also appears in the writings of philosophers like Descartes, Spinoza and Kircher: "the main point is always the dualism between body and soul in general, and the exploration of the human emotions in particular. The ideal state of mind that humans need to seek out is virtue, which can only be attained when the spirit remains in control of the body, when free will, an attribute of the spirit, is not troubled by emotions, attributes of the body; on when the foundation of human behavior is ultimately reason, which is inspired by God, and not affect (emotions), which is only worldly." This seems to me an important key to understand the way oratorios like this are written. It also explains the presence of Clizio, who - unlike Saint Nicholas - has no historical foundation. Clizio is the character who is led by emotions, and whom is brought to reason by Nicholas.

In the extensive and splendid programme notes Peter Van Heyghen goes into many details in regard to the background of both libretto and music. He also gives a number of examples of the way Bononcini has set the text to music. Everybody who is going to listen to this work is well advised to read these notes carefully, as they are a great help to understand the content of this work.

Bononcini had a reputation for text expression through musical means, and that was well-deserved as this oratorio impressively demonstrates. There are many things which strike the ear, like the role of the instruments in depicting the images in the text, for instance the movements of the bee or the fluttering of the bird, or a thunderstorm. Musical figures are used to express emotions in the text, and the same is true for dance rhythms, including sarabanda - here used because of its "origin in hell" as Cervantes put it - and the tarantella. The arias are various in form; some use the dacapo form, but most are without reprise and some are strophic. In many arias the voice is only supported by the basso continuo, whereas the strings play the ritornelli. The arias are not very long - none lasts more than 4 minutes - and the recitatives are also pretty concise. This gives the oratorio considerable pace, although the story in itself is not very dramatic.

Hopefully this description gives some idea about the quality of this oratorio. Fortunately none of the many virtues of this work is passing by unnoticed in this performance. At first I was a little sceptical about the interpretations of the two sopranos but it didn't take long before I started to enjoy the way they portrayed their respective characters. The many beautiful arias they have to sing come off splendidly, and their voices are just different enough to tell them apart. The emotions of Giovanna when her son is about to leave are impressively expressed by Elena Cecchi Fedi. Lavinia Bertotti does very well in Nicholas' dialogue with Clizio. Gabriella Martellacci has a dark voice, and is perhaps more suitable to the repenting Clizio than to the Clizio who sings the praise of worldly pleasures. She could probably have been a bit more joyful in that episode. Furio Zanasi gives a very good account of the role of Nicholas' father Epifanio, showing the right kind of authority but at the same time the sensitivity his role requires as well.

The orchestra is excellent throughout; every effect Bononcini has included in his score is fully explored. The basso continuo section deserves much praise for the very dynamic, imaginative and differentiated realisation of their part. And, as I already mentioned, the programme notes are exemplary: they are very informative and well-written, and also well translated into English.

In short, this is a production of the highest order, and definitely going to be one of my discs of the year.

Early Music Review (December 2008)

This is a rarity indeed. John Byrom's little rhyme comes to mind:
Some say, compar'd to Bononcini,
Than Mynheer Handel's but a ninny.
Others aver that he to Handel
Is scarcely fit ti hold a candle.
Strange all this diff'rence should be
Twixt tweedledum and tweedledee.
I was expecting something competent but lacking the dramatic power of Handel, but I was agreeably surprised by the intensity of this work, albeit scored for minimal forces of just strings with the four soloists and no chorus. There are some real gems here. Nicholas' 'M'incateni, e se mi sciogli' (tr. 19) is a stunning aria, bringing to mind a comparison with Handel's famous 'Lascia ch'io pianga' from Rinaldo, and Clizio's aria 'Anche il cielo' (tr. 23) has, by contrast, all the drama of many a Handel operatic aria. It is perhaps unfair, though, to compare this work composed in 1693 (Bononcini was Handel's senior by 15 years) with Handel's operatic output of sope 18 years later. Indeed, many of the da capo arias bear all the hallmarks of the 17th century Italian opera, with their continuo themes and only a few having the full string accompaniment. The work, nevertheless, is full of word-painting, with clear references to buzzing bees, fire's angry flashes, sparkling stars and rocking waves, all achieved with simple string writing.
The story is straightforward: Stampiglia's libretto tells the leave-taking of Nicholas from his parents Johanna and Epiphanes, aided by his companion Clizio. The soloists, with their ornamented da capos, are stylish, the period instrument performance is impeccable, and the booklet particularly informative, complemented by an impressive CD case. Compared with Alessandro Scarlatti's Il Martirio di Santa Cecilia which I reviewed in the last issue of EMR, the Bononcini is a much more interesting work, and ont to which I will happily return.

Ian Graham Jones

www.klassiekezaken.nl (december 2008)

Het oratorium ‘San Nicola di Bari’ is het succesvolste resultaat van de samenwerking tussen de componist Giovanni Bononcini en de librettist Silvio Stampiglia. De première was in de vastentijd van 1693, maar uitvoeringen van het werk vonden plaats tot ver in de achttiende eeuw. Is het niet de dramatische vertelkunst van Stampaglia, dan is het zeker de boeiende muzikale voorstelling van Bononcini die het hart van de luisteraar sneller doet kloppen. En verder blijft natuurlijk de legende van Sint Nicolaas zelf tot de verbeelding spreken, waarbij zijn voortdurende strijd tegen heidendom en ketterij rond 1700 een actueel en geliefd thema was. Al met al is hij een kleurrijke en tegelijk tijdloze figuur, die via deze uitvoering van eveneens tijdloze schoonheid op gepaste wijze wordt geëerd. Dat Bononcini in zijn tijd een veelgevraagd opera- en oratoriumcomponist was, zal niemand verbazen. Ook de uitvoerenden hebben dat begrepen, getuige de grote aandacht voor het detail in deze opname. De continuogroep is solide uitgerust en geeft daarmee ruimschoots partij aan de geprononceerde, maar nergens overheersende sopraanstemmen van Lavinia Bertotti en Elena Cecchi Fedi. Het is een uitvoering waarbij werkelijk alles in orde is. Alleen al vanwege het fraaie booklet zou deze cd op pakjesavond niet mogen ontbreken!

Andrew van Parijs

www.ledevoir.com (19 décembre 2008)

Ce n'est pas une blague, mais l'éditeur nous annonce que Pez est « un champion, comme Georg Muffat, du Vermischter Geschmack », c'est-à-dire des « goûts variés ». Pour un peu on dirait une description de bonbons! En fait, dans le cas de ce Pez-là, on entend par « goûts variés » la synthèse des goûts italiens et français. On a même accusé Pez de n'être qu'un vil imitateur de Lully. Le CD préparé avec soin par Peter Van Heyghen vient largement infirmer ces soupçons. Il y a, certes, de l'inspiration française dans ce disque, mais on y perçoit aussi, dans la Musique de table, des échos de ce qui pourrait ressembler à du jeune Haendel. Avant tout, Pez n'est pas un vil imitateur. Ce qu'on entend dans ces partitions manuscrites, redécouvertes par Van Heyghen à Rostock et Dresde, est inspiré et enlevant. On ajoutera à cela que la mise en forme du disque est variée, avec ouvertures (plutôt françaises) et sonates ou concertos (plutôt italiens). Van Heyghen est à Pez ce que Geneviève Soly est à Graupner et le sujet de leur passion est aussi intéressant l'un que l'autre.

http://extra.volkskrant.nl (december 2008)

De kindvriendelijke heilige is zelf ook jong geweest en zingt hier met sopraanstem. Met zijn ouders en een klasgenoot begeeft hij zich in spirituele discussies, waaruit blijkt dat een heiligenstatus voor hem sowieso in het verschiet ligt. Bononcini’s aria’s zijn niet allemaal uniek, maar voor Nicola zitten er mooie bij, zoals È fiorito il sentier en Gli astri. De sopraan Lavinia Bertotti is een genuanceerde kindsint, en wordt met goed barok-muzikaal gezag bijgestaan door de Belg Peter van Heyghen en zijn vier jaar oude ensemble Les Muffatti.

Roland de Beer

La Libre Belgique (17 décembre 2008)

Même pour ceux qui connaissent la figure de Giovanni Bononcini (1670-1747), « San Nicola di Bari » représente une extraordinaire découverte: exhumé en 2003, cet oratorio attira bientôt l’attention de Peter Van Heyghen qui, à la tête de l’ensemble bruxellois Les Muffatti, en offre aujourd’hui une version dont la valeur laisse espérer une suite, l’œuvre vocale de Bononcini étant encore largement méconnue.Bononcini dépeint un épisode de la jeunesse de Saint Nicolas où apparaissent ses parents, Giovanna et Epifanio, et un alter ego, Clizio, face noire du futur saint, impliqués tous les quatre dans un authentique processus cathartique. La distribution vocale, entièrement italienne, autant que l’effectif instrumental, servent une partition débordante d’invention et de vitalité, riche de références littéraires, où chaque rôle est habilement caractérisé, où les récitatifs collent au texte, où les airs mêlent le pouvoir de la voix et celui des instruments solistes. Cadeau.

Martine D. Mergeay

http://classicstodayfrance.com (décembre 2008)

Artistique et technique : 10/10

Admirable objet discographique. D'abord par son originalité, avec l'enregistrement de partitions retrouvées par le chef à la bibliothèque de Rostock. Travail de recherche, donc, mais aussi choix esthétiques, abondamment décrits dans la notice, notamment quant au choix de l'instrumentarium.
Tout cela serait simplement louable si le sujet de la redécouverte visait comme tant d'autres, l'auteur d'une « musique baroque d'ameublement ». Tel n'est pas le cas des oeuvres orchestrales de Johann Christoph Pez (1664-1716). Un nom de bonbon et une date de naissance de bière: le type ne peut pas être ordinaire, et ne l'est pas! Il fait partie - comme Graupner, Biber, Zelenka et Muffat - de ces compositeurs que le CD nous a véritablement dévoilés et qui ont acquis par l'enregistrement une vraie stature et identité. Derrière Bach, Vivaldi, Haendel, Purcell et Telemann, il n'y a (vraiment) pas le néant!
Je pourrais tenter de décrire le plaisir dispensé par ce disque et cadrer le sujet en disant qu'il y a chez cet Allemand un mélange de Français (surtout dans les ouvertures) et d'Italien (surtout dans les sonates). Pour schématiser à outrance, on peut aussi y voir une confluence entre un vieux Lully et un jeune Haendel.
L'excellent Peter Van Heyghen, lui-même, est plus apte à choisir les meilleurs mots. Voici donc son point de vue: « Les concerti et ouvertures de Pez laissent clairement transparaître la volonté d'un cheminement propre plutôt que l'assimilation des langages musicaux de ses illustres contemporains. Sa personnalité remarquable s'exprime surtout dans la puissance dramatique de ses ouvertures à la française, dignes d'un Keiser ou d'un jeune Händel, dans le sublime mélange qu'il opère des éléments stylistiques français et italiens et qui le hisse au moins au niveau d'un Georg Muffat, ainsi que dans son intarissable inventivité mélodique qui ne sera égalée, après sa mort, que par un géant tel que Georg Philipp Telemann. »
Comme Peter Van Heyghen et les Muffatti font très bien leur métier, avec justesse et légèreté, sans vouloir jouer aux instrumentistes d'époque aux sonorités vertes, nous ressentons tout cela. Nous ressentons surtout cette voix propre, cette inspiration splendide qui fait que « Pez est Pez » et non le décalque d'un autre.
Une perle rare? Oui. Une vraie révélation? Aussi.

Christophe Huss

Klassik heute (18.11.2008)

Künstlerische Qualität, Klangqualität, Gesamteindruck: 9/10

Es ist merkwürdig, daß gerade der volkstümliche, kinderfreundliche Sankt Nikolaus im vorweihnachtlichen Brauchtum kaum eine Rolle in der überlieferten Kirchenmusik spielt. Neben Benjamin Brittens Opus 42 Saint Nicolas (1948) erfuhr man bisher allenfalls aus der Fachliteratur zur Geschichte des Oratoriums und aus biographischen Lexikonartikeln über den Barockmeister Giovanni Battista Bononcini (1670-1747) von der Existenz eines größeren Nikolaus-Oratoriums San Nicola di Bari im neapolitanischen Opernstil. Der zum Titel des Werkes gehörende Hinweis auf die süditalienisch-apulische Hafenstadt Bari hängt mit der dortigen Ruhestätte der Gebeine des Heiligen und einstigen Bischofs von Myra (aus dem 4. Jahrhundert) als hoch verehrte Reliquien zusammen. Sie wurden im Jahre 1087 von Seeleuten vor dem erobernden Zugriff der Seldschuken im anatolischen Myra gerettet. Nun feiert endlich auch die „Reliquie“ eines Nikolaus-Oratoriums aus dem 17. Jahrhundert eine Auferstehung aus dem Grabe dahindämmernder Archivschätze in Brüssel, London, Florenz, Wien und Olmütz. Es bedarf keiner großen Umschweife, um das Projekt einer CD-Aufnahme als eine historisch verdienstvolle und künstlerisch außerordentlich zu begrüßende Tat zu würdigen. Nahezu jeder Takt dieser Einspielung beweist es.
Zum Inhalt: Beide Vertonungen, Brittens moderne und Bononcinis barocke, stellen nicht die überlieferten Legenden und Wunder des Heiligen in den Mittelpunkt ihrer musikalischen Verkündigung, sondern schaffen fast pädagogisch zu nennende Beispiele von Kanzelverkündigungen christlicher Moraltheologie. Bononcinis Librettist Silvio Stampiglia (1664-1725) schildert die elterlichen Bemühungen, ihren Sohn, den jugendlich-pubertären Nicola, zu einem tugendhaften Leben anzuhalten. Seinem rührend artigen „Mia Genitrice“ (Ja, Mama) und „o Padre“ (Ja, Papa) steht jedoch das Ideal vom Leben eines Heiligen bereits deutlich vor Augen. Zur dramatischen Gegenfigur gehört sein gleichaltriger Freund Clizio, der den Genuß aller sündhaften Verführungen als ein Vorrecht der Jugend preist. Im Widerstreit der Rezitative und Arien, deren musikalische Ausdrucksvielfalt von Bononcini meisterhaft beherrscht und von den Interpreten klangschön und gestalterisch überzeugend umgesetzt werden, endet das Oratorium folgerichtig mit einer Bekehrung des „Sünders“ Clizio.
Soweit sich für den modernen Zuhörer Schwächen aus der Anlage des Werkes ergeben, bedarf es einiger Orientierungshilfen, die die ausführliche Textbeilage auch bieten. So sind vor allem die sehr ähnlich klingenden Sopranpartien von Mutter und Sohn Nicola im Dialog nur schwer voneinander zu trennen, während der Vater (Baß) und der zu bekehrende Altersgenosse Clizio (Alt) in dieser Hinsicht kein Problem bilden. Dennoch suggeriert die stilisierte Altstimme des Freundes eher einen weiblichen Kontrahenten zur Titelfigur, quasi eine verführerische „Freundin“. Auch das historische Hören will also geübt sein. Im Hinblick auf ein gelegentlich manieristisch wirkendes Beharren aller Beteiligten auf Lehrbuchweisheiten der historischen Aufführungspraxis wirkt die vibratolos gedehnte Starrheit von Haltetönen der Instrumente eher quälend zäh (besonders im langsamen Eröffnungsteil der Ouvertüre). Nicht minder unnatürlich klingt das vibratofreie Einschwingen gehaltener Vokaltöne, die dann mit routinehafter Regelmäßigkeit ein lebendiges Tremolo zu entfalten. Unklar bleibt, ob die virtuos eingestreuten, perfekt dargebotenen Koloraturen, Ornamente, Tongirlanden und Verzierungen der Vokalsolisten und Continuospieler vom Komponisten so festgehalten worden sind oder ob es sich um Improvisationen und Vorgaben aufgrund anderweitiger Quellen handelt. Dies aber ist eine rein philologische Frage, die den verdienten Beifall zu dieser Produktion nicht schmälert.

Gerhard Pätzig

Diapason n° 563 (Novembre 2008)

4 DIAPASONS

Giovanni Bononcini fut un compositeur incroyablement précoce. Né à Modène dans une famille de musiciens professionnels, il est nommé maître de chapelle de San Giovanni in Monte à Bologne, et fait représenter en 1690 son premier oratorio. Il part ensuite pour Rome, avant d'être appelé à la cour de Vienne en 1698. Compositeur d'opéra reconnu, il voyage à Berlin, à Paris et à Londres où il devient, en 1720, le rival de Haendel. Sept ans plus tard, il revient à Vienne, où il est comblé d'honneurs jusqu'à la fin de ses jours.
Seul oratorio connu mettant en scène un épisode de la vie du saint, ce San Nicola di Bari créé à Rome en 1693 inaugurait une collaboration longue et fructueuse du compositeur avec le librettiste Silvio Stampiglia (1664-1725). Comme la plupart des oratorios en langue vulgaire de l'époque, il adopte l'alternance conventionnelle de récitatifs secs et d'arie da capo, desquels émergent quelques joyaux — ainsi l'émouvant Un dolce affetto de Giovanna, où Bononcini suscite un contraste d'une rare violence dans la partie centrale.
San Nicola di Bari se distingue par une écriture instrumentale d'une luxuriance contrapuntique héritée de la tradition corellienne. Ainsi, l'Ouverture et plusieurs accompagnements d'airs revêtent l'apparence de véritables mouvements de concerto grosso, souvent emplis de fugues savantes aux rencontres harmoniques délectables. L'orchestre étoffé formé par l'ensemble bruxellois des Muffatti en propose une lecture ample et sonore, mais entachée par quelques dérives des violons solos en matière de justesse. En revanche, la réalisation de la basse continue est d'une richesse et d'une vitalité perpétuellement enthousiasmantes. Un apport non négligeable à la discographie par trop étriquée de Bononcini.

Denis Morrier

La Libre Belgique (31 octobre 2008)

I Muffatti, dans un programme autour de la Rome du tournant des XVII^e et XVIII^e siècle. Un ensemble belge des plus passionnants du moment.

Avec ses stucs vert menthe et ses parquets vermoulus, la salle du Britannique à Spa garde un charme et un cachet inégalables, même si un rafraîchissement commence à devenir urgent. Samedi, l’Automne Musical de Spa retrouvait cette salle qui lui est chère pour un concert d’I Muffatti. Des concertos grossi de Corelli et Valentini côté musique instrumentale, des cantates de Haendel côté musique vocale. Réuni autour de Peter van Heyghen (nul complexe de chef dominant chez ce spécialiste de la musique baroque qui dirige comme primus inter pares, rentre dans le rang quand il faut remplacer une flûte absente et salue sur le côté, embrassant du bras tous les musiciens), cet ensemble basé à Bruxelles pourrait être rangé dans la catégorie bicommunautaire tant il agglomère avec cohérence musiciens du nord et du sud du pays. Mais ce qu’on admire surtout, c’est l’excellence des interprétations. Dans la rhétorique et l’inspiration des lectures, bien sûr, mais aussi dans l’extraordinaire qualité des interprétations: quelle plénitude de sonorité, quel hédonisme du son, le tout avec une espèce de force tranquille, de naturel dans la perfection. On dira certes que peu d’ensembles prennent autant de temps pour s’accorder, mais le résultat vaut bien ces quelques instants de patience: c’est que les Muffatti, toujours prêts à se remettre en question, ont adopté depuis peu l’usage de cordes à tension égale, plus longues à régler sans doute mais génératrices de ce résultat qui est à la fois brillance et profondeur. Ajoutez-y les archets faits maison, la position debout pour jouer, l’usage d’un véritable orgue à tuyaux qui enrichit le son du continuo, et cet esprit de groupe et de collectif qui les animent, et le tour est joué: on est loin ici des ensembles téléphones, réunissant ponctuellement des musiciens, fussent-ils doués. Reste un paradoxe: quelles que soient les qualités de la soprano Lauren Armishaw avec laquelle ils travaillent - voix très naturelle, projetée avec aisance, chant expressif et, ici aussi, qualité du son - on en vient à se dire que les Muffatti sont tellement bons instrumentalement qu’il est frustrant de les voir réduits au rôle d’accompagnateurs.

Nicolas Blanmont

L'Echo (18-20 octobre 2008)

Pas de fausse pudeur : c'est magnifique, et c'est un projet belge. Avec ce troisième CD, les Muffatti, ensemble baroque fondé par une poignée de jeunes Bruxellois, confirment leur irrésistible ascension. Les voilà qui exhument « San Nicola di Bari », un oratorio pour quatre voix et concertino écrit par Giovanni Bononcini en 1693. Très acclamé à l'époque, avant d'être gommé par les siècles, celui qui fut le contemporain de Scarlatti et Händel méritait cette brillante réhabilitation. Typique du baroque italien, cet oratorio dépasse certains de ses rivaux qui — allez savoir pourquoi —, ont eu plus de chance avec la postérité. L'affront du temps est réparé, et avec brio ! Le chef des Muffatti, le flûtiste Peter Van Heyghen, a eu l'excellente idée de s'en aller quérir quelques très belles voix de la péninsule. Lavinia Bertotti, Elena Cecchi Fedi (sopranos), Gabriella Martellacci (alto) et Furio Zanasi (basse) n'apportent pas seulement l'indispensable théâtralité latine et colorée à cet « opéra sacré ». Ils lui donnent aussi toute sa justesse de ton. L'orchestre embraie, épaule, répond, interpelle, porté par le violoncelle de Marian Minnen, admirable continuo. Le dialogue entre le texte et la musique, d'une précision diabolique, s'impose avec une évidence envoûtante et coule dans le marbre une musique qu'il fallait graver une fois pour toutes.

www.bndestem.nl (14 oktober 2008)

Barokmuziek, die blijkbaar erg toegankelijk is en door velen wordt gewaardeerd. Des te opvallender was dat slechts enkele tientallen muziekliefhebbers kwamen luisteren naar het barokconcert Tussen Hemel en Elysium, met Romeinse concerti en Cantates uit het begin van de 18^de eeuw. Les Muffatti is een jong ensemble met een dirigent die internationale bekendheid geniet op het gebied van de uitvoeringspraktijk van renaissance en barokmuziek. De musici spelen met een aanstekelijk enthousiasme en hebben oog voor details, nuances en speciale affecten. Het programma, met concerti grossi van Corelli en Valentini en vocale werken van de jonge Händel, was aantrekkelijk. Waarom missen dan zoveel muziekminnaars de kans om eens barok op een goede wijze uitgevoerd te horen? Weinig publiek levert bovendien in een grote stenen ruimte het nadeel op dat de klanken vrij snel verdwijnen. Dit euvel was ook duidelijk in de kerk van Heikant, waar vorige week twee klavecinisten werken van Bach en zonen speelden. Jammer dat velen praten over muziek en zo weinigen de kans grijpen om naar concerten te gaan.
Les Muffatti vertolkten de concerti van Corelli met verve. Prachtig was het continuospel van klavecimbel en orgel. In Op. VI nr. 4 kwam de wisselwerking tussen ripieno en concertino goed uit. De verschillende ritmes en de klankkleuren in de harde en zachte passages kregen de volle aandacht.
De sopraan Lauren Armishaw zong van Händel een Antifoon en een cantate gewijd aan Maria. Armishaw bezit een heldere stem en een warm timbre. Haar dictie en de dramatische voordracht zijn overtuigend. Het was vooral de cantate HWV 99 (Da quel giorno fatale) die een diepe indruk naliet. Scherp gebrachte recitatieven en emotierijke aria's. Händel was pas 21 jaar toen hij deze cantate in Rome schreef. In de knappe versieringen, de dramatisch sterke onderstrepingen van woorden zoals voli, rapido en mova (vliegen, snel en bewegen), de snelle loopjes en de dialogen van de sopraan met oboe d'amore en altblokfluit, is de grootmeester van de barokopera al te horen. Orkest en soliste zorgden voor een mooie vertolking van deze hemelse muziek.

Stéphane Renard

Le Soir (30 août 2008)

L'ensemble I Muffatti a terminé le Festival des Midis-Minimes avec un Haendel éblouissant. L'ensemble I Muffatti, dirigé par Peter Van Heyghen, avec la soprano Laurence Armishaw, a terminé la saison 2008 du festival Midis-Minimes. Ce fut le plus couru des 41 concerts. Et un des plus éblouissants. La cantate Delirio amoroso d'un Haendel de 22 ans vibrait dans leur superbe interprétation du feu de la jeunesse et de la sagesse de la retenue.

Jean-Claude Vantroyen

www.resmusica.com (28 avril 2008)

Après un splendide premier disque consacré au compositeur auquel ils doivent leur nom (Georg Muffat), les Muffatti (ensemble baroque belge) nous reviennent avec un autre compositeur dont le nom vous parle peut-être peu, mais qui pourrait bien vous surprendre par sa délicatesse aux influences multicolores. Ce disque est un rayon de soleil où tout absolument tout respire le bonheur, y compris la mélancolie.
Johann Christoph Pez qui vécut le temps du règne personnel de Louis XIV est né à Munich où il reçut une formation de luthiste et de violiste. C’est au cours d’un voyage d’étude à Rome qu’il va s’imprégner des couleurs italiennes. Il finira ses jours comme Maître de Chapelle à Stuggart. De de son vivant, il connût une réelle notoriété puisque Telemann le considère comme faisant partie des six compositeurs allemands dont l’influence permet à la musique des cours germaniques de rayonner en Europe. Ses compositions furent très influencées par le style de Corelli et il suffit d’écouter le Sonate de concert en fa majeur (R. 15) pour le remarquer, en particulier dans son écriture. On remarquera toutefois dans cette sonate un passage d’un style et d’une virtuosité surprenants où le basson et le violon concertent en mêlant légèreté et puissance, délicatesse et force. Mais les plus surprenantes de toutes ces œuvres sont celles qui doivent leur influence à Lully. Difficile lorsqu’on les entend de ne pas se laisser piéger, tant le style en est si proche, et cette influence peut sembler d’autant plus que Pez ne mit jamais les pieds en France et ne rencontra donc jamais Lully.
L’interprétation brillante des Muffatti nous permet de découvrir ce qui fait que Pez n’est pas un compositeur de second plan. Tous les instrumentistes de cet ensemble offrent des couleurs rayonnantes, un sens du phrasé vertigineux à l’interprétation de ces œuvres. Les cordes (violons, violoncelles, violes de gambe…) osent tout, aériennes et précises, elles nous entraînent dans la chaconne du Concerto grosso (R. 18) aux confins de la souplesse et de la légèreté dans des combinaisons d’une beauté apollinienne, digne des fastes de Versailles.
Les Muffatti nous offre ici une version somptueuse d’œuvres rares qui n’attendaient que des interprètes dignes d’elles pour renaître, Phénix baroque qui pourtant annonce déjà le siècle des Lumières.

Monique Parmentier

Crescendo (février/mars 2008)

Encore un obscur petit maître tiré d’un oubli justifié ? Au contraire ! Il semble bien que Telemann n’exagérait pas lorsqu’il citait Johann Christoph Pez parmi les plus importants compositeurs allemands de son époque, de l’envergure de Keiser ou de Haendel. Eminent Kapellmeiseter dont la production sacrée est fort réputée, le Munichois s’avère aussi un champion des goûts réunis. Ce brillant violiste et luthiste ne se contente pas d’assimiler les styles italien (il a fait le voyage à Rome comme tant d’autres et subi l’influence de Corelli et Torelli) et français : il se les approprie, égale ses modèles tout en développant des idées personnelles. Si les six œuvres réunies pour cet enregistrement ne sont pas d’un intérêt égal, elles n’apparaissent pas non plus à la même période créatrice et surtout n’affichent pas une ambition identique : l’opus intitulé Ouverture/Pièce pour la musique de table en ré mineur ne déroge pas aux lois du genre et peut s’écouter d’une oreille distraite. En revanche, le Concerto grosso/sinfonia en sol mineur mériterait de figurer en bonne place dans le répertoire de concert des ensembles baroques : on ne sait trop qu’admirer, le lyrisme enchanteur de l’aria andante e dolce, l’habileté avec laquelle Pez transpose et orchestre Les Vendangeuses de Couperin (Rondeau allegro) ou encore la robuste chaconne lullienne et la bourrée finale, dignes d’une suite du Grand Siècle. Les Muffatti nous livrent une leçon vivante de musicologie appliquée : le recours à deux clavecins, français et italien ou l’usage d’archets copiés sur la facture de la fin du XVII^e siècle servent une réalisation admirable de légèreté, de vigueur, de souplesse et d’équilibre, où l’esprit le dispute à la pure beauté plastique (basses somptueuses, texture lumineuse des violons magnifiquement mises en valeur par une prise de son exemplaire). Un coup de maître pour le jeune ensemble belge et le label Ramée fondé voici à peine quatre ans.

Richard Schreuders

Toccata nr. 34 (2008)

Johann Christoph Pez (1664-1716) ist viel weniger bekannt als Fischer, und dennoch ist sein Oeuvre schon Anfang des 20. Jahrhunderts Gegenstand musikwissenschaftlicher Untersuchungen gewesen. Ein Teil seines Schaffens wurde sogar veröffentlicht. Aus irgendeinem Grund hat das in der Musizierpraxis keinen Widerhall gefunden. Das hat sich mit der Einspielung vos Les Muffatti geändert. Auf einmal liegen jetzt sechs Instrumentalwerke vor, hier in Orchesterbesetzung gespielt (was sich aus den Quellen begründen lässt, wie Peter Van Heyghen in seiner informativen Programmerläuterung zeigt). Pez ist ein typischer Vertreter des »vermischten Geschmacks«, obwohl eines seiner hier eingespielten Werke in jeder Hinsicht französisch von Charakter ist. Französische Einflüsse gibt es auch in anderen Werken, z.B. die Chaconne im Concerto grosso in g-moll. Zugleich gibt es starke Einflüsse des italienischen Stils, insbesondere der Werke von Corelli. Die Concert Sonata in F-Dur fängt mit einem wunderschönen expressiven Adagio an, und enthält — ganz im Sinne Corellis — einen Fugasatz. Peter Van Heyghen behauptet, die Musik von Pez könne sich mit dem Besten seiner Zeit messen. Ich denke, dass er Recht hat. Und die von ihm geleitete Aufnahme ist durchaus geeignet, dieses positive Diktum zu unterstreichen. Das Orchester spielt hervorragend, sehr differenziert, lebendig und ausdrucksstark. In den Überlegungen zur Interpretation ist man sehr sorgfältig zu Werke gegangen, und das hat sich sicherlich gelohnt. Eine ebenso überraschende wie schöne Aufnahme, die hoffentlich dazu führt, dass Pez seinem richtigen Plaz zugewiesen wird und auch seine Spuren im Konzertleben hinterlassen wird.

J.v. Veen

Goldberg n° 50 (February 2008)

Les Muffatti’s first CD, devoted to Muffat’s Armonico Tributo, deservedly received a rapturous reception from William Yeoman in Goldberg 39. Its second is arguably even more significant, for not only does it confirm the Belgian ensemble as a quite exceptional body, but it also introduces us to some splendid music by a neglected composer. Munich-born Johann Christoph Pez (1664-1716) worked in his native city and Bonn before becoming Kapellmeister in Stuttgart. Like Muffat and J.C.F. Fischer, he thoroughly assimilated the French style of Lully, although unlike them he seems to have had no direct contact with France. But that is not the whole picture, since Pez was sent to study in Rome, where he came into contact with the “serious” style of Corelli. It is this fusion of styles that informs the works on the present disc, all prepared from MS sources by Peter Van Heyghen. The French influence is most clearly apparent in two multi-movement ouvertures, but is also found more improbably in the Concerto grosso in G minor. Two sonatas (in F and G) and the charming Concert Pastoral are more obviously indebted to Corelli, although the F-major work includes a remarkable improvisatory movement of Biber-like fantasy.
The playing and performances warrant only superlatives, having a rare distinction that goes beyond a natural ease, grace and buoyancy to encompass the subtlest variations of tempo, shading and phrasing, in addition to an ideal balance between parts. Splendid sound and superb presentation contribute to what is in every way an outstanding achievement.

Brian Robins

www.lamediatheque.be (février 2008)

Depuis quatre ans, l’ensemble belge Les Muffatti interprète avec enthousiasme des auteurs baroques que les aléas de l’édition musicale ont injustement tenus dans l’ombre. Ainsi du compositeur Georg Muffat (1653-1704), éponyme significatif de leur désir de réinvestir la musique baroque par des chemins de traverse originaux et pittoresques. Après lui avoir consacré un premier enregistrement, ils se tournent vers son contemporain munichois Pez qui, moins connu, illustre brillamment l’idéal baroque des goûts réunis, mélange subtil des traditions française et italienne. Voilà donc une musique savoureuse, à l’instrumentation riche et variée, chaleureusement interprétée par ces jeunes musiciens exigeants, tant au niveau du contenu que dans la minutie artisanale portée à l’exécution. Détail significatif: ils ont eux-mêmes conçu leurs archets sur un modèle du XVII^e siècle, afin d’être au plus proche du son originel. De son côté, Peter Van Heyghen les dirige précisément dans cet esprit — la foisonnante gestuelle baroque et sa théâtralité propre rehaussent à merveille la puissance dramatique des Ouvertures et l’inventivité mélodique du compositeur.

CDP

Fono Forum (Januar 2008)




Empfehlung des Monats. Musik und Klang: hervorragend
Faszinierend dazwischen

Johann Christoph Pez (1664-1716) wurde 1725 von Telemann zu den besten deutschen Komponisten gezählt. Er selbst wirkte in München, Bonn, Lüttich und Stuttgart, seine Werke waren bis in die Niederlande und nach England verbreitet, und kein Geringerer als Bach führte Werke von Pez in Weimar und Leipzig auf. Dass sein Name heute nur Spezialisten geläufig ist, mag daran liegen, dass seine Kompositionen in keine Schublade passen. Doch genau das macht den außerordentlichen Reiz der vorliegenden Aufnahme aus, die einen Querschnitt durch Pez' Orchesterwerk zieht: Einige Sätze sind im französischen Stil geschrieben und entsprechend instrumentiert, andere lassen in der Virtuosität der Solo-Geigen Stradella und Corelli als klassische Vorbilder erkennen, wieder andere erinnern an den jungen Händel in seiner Hamburger Zeit oder an den Stil, den Telemann in Frankfurt pflegte. Diese Vielfalt darf nicht als Mangel an musikalischer Persönlichkeit missverstanden werden, sondern zeigt, dass Pez noch mehr als sein etwas bekannterer Zeitgenosse Muffat verschiedene Idiome souverän beherrschte und den jeweils verlangten Ton punktgenau traf.
Eine solch kenntnisreiche Souveränität zeichnet auch das belgische Ensemble Les Muffatti aus, das genau weiß, wann die Bassstimme mit einem Violoncello, wann mit einem "basse de violon" zu besetzen ist, in welchen Fällen die Oktavierung mit einem 16-Fuß-Instrument historisch angemessen ist, wann ein italienisches Cembalo besser passt als ein französisches und so weiter. Überdies werden hier alle Details so liebvoll gestaltet und so sorgsam wieder in einen warmen, ausgewogenen Ensembleklang integriert, dass man spürt, wie fasziniert die Interpreten von der unbekannten, aber sehr gehaltvollen Musik sind.

Matthias Hengelbrock

Diapason n° 553 (décembre 2007)

Monsieur Pez est totalement inconnu du paysage discographique, et bien rares sont les musiciens contemporains qui ont dû jouer un jour une pièce de ce compositeur. Cependant une anthologie de ses œuvres parue en 1928 exposait déjà en détail, dans sa préface, la vie de cet allemand formé aux goûts français et italiens. Successeur de Kusser comme maître de chapelle à Stuttgart, Pez est tenu en haute estime par Telemann qui le range aux côtés des plus éminents compositeurs du temps. Alors qu'un seul opéra nous est parvenu, une importante quantité de musique de chambre est accessible au musicien d'aujourd'hui.
Représentant des goûts réunis à l'instar de Muffat, Pez aime accentuer l'un ou l'autre des idiomes nationaux suivant les pièces. Le Concerto grosso en sol mineur montre des traits communs avec Telemann lorsque celui-ci manie le style français. Pez y orchestre de façon magistrale le rondeau pour clavecin de François Couperin Les Vendangeuses, et propose une Chaconne d'un style lullyste de la plus belle eau. Le Concert-Sonate en fa dans le style de Corelli n'a rien à envier à Muffat sur le plan de la densité d'écriture et de l'inventivité mélodique, et l'on sent au-delà de l'hommage, une personnalité muscale forte et profonde.
Les Muffatti exécutent cette riche écriture à cinq voix en y adjoignant une bande de hautbois, soit pour réaliser les trios, rendre autonomes la partie du basson ou recréer la densité caractéristique de l'orchestre lullyste. Détail instructif sur le soin apporté à l'entreprise, les clavecins sont italiens ou français selon l'occasion... Les Muffatti révélaient dès leurs premiers disques (Muffat, cf. n° 530) une formation de premier plan, mais Sophie Gent au premier violon semble aujourd'hui apporter un éclat et un soin supérieurs à la réalisation instrumentale. Aussi superbes dans les ripieni que dans les combinaisons instrumentales « à découvert » (magnifiques violoncelles et basses de violon), les Muffatti sortent de l'ombre un compositeur de premier plan avec le panache du grand talent.

Philippe Ramin

The Bulletin (December 2007)

Some Baroque composers are a little too forcefully resuscitated these days and quickly slip back into oblivion after a fex recordings. This is certainly not a fate I wish for Pez, a German musician from the turn of the 18th century whose name and music were perfectly obscure until Les Muffatti, a group of talented young Belgian players, dug up six of his orchestral works for this recording. The CD is a revelation as much for the poised exuberance of Pez's music, which reminded me of Purcell and Telemann, as for the musicians' fresh and spot-on interpretation. The composer also produced an opera. Now that's another revival I'm eagerly anticipating.

Marie Dumont

www.classical.net (November 2007)

A rough contemporary of François Couperin and Alessandro Scarlatti, Johann Christoph Pez (1664-1716) is nowhere near so well known. Hardly known at all, in fact – despite a partial edition by Bertha Antonia Wallner in 1928 (nla) together with a 'Life' and introduction to his works. Since then, next to nothing, apart from the odd mention in books such as Wolff's classic Johann Sebastian Bach: The Learned Musician. So it's not surprising that this CD is presented as the rediscovery, revival even, of an unjustly neglected and yet highly worthy composer.
The press release for this disc speaks of 'musical pearls that have remained hidden by the veil of history'. Those pearls are described as great dramatic power, fusion of French and Italian stylistic elements and seemingly inexhaustible melodic inventiveness. Comparisons with Muffat and even Telemann (who placed Pez alongside Handel and Kuhnau, amongst others) are invited. How valid are these descriptions? How special, how accomplished is Pez?
Born in Munich, an early student of the lute and viola da gamba, Pez sang at the Peterskirche, where he became choirmaster in 1687 – at the age of 23. After being appointed to the court of Maximilian Emanuel, he went to study in Rome. That appointment also offered Pez experience in cities in Germany and the Netherlands, where he was exposed to a variety of musical and performance styles. Pez composed many trio sonatas, suites, concerti and one extant opera, Trajano. The influence of other composers is clear: of Torelli in Pez' concerti, for example, and Corelli of course. But it is to be hoped that it's not as some sort of absorber of others' strengths with which this CD of Pez' music will be approached. Rather, that the composer's amazing diversity will strike one on first listening… the B flat major ouverture with which it begins, for example, could almost be Lully or Rameau: dotted rhythms and complementary wind with woodwind and variations in tempi which underline the phrasing as ideas develop. Nor is Telemann himself far away. Then Pez' gift for melody and harmony reminds one almost of a somewhat subdued Purcell in places for his compactness and chromaticism. Especially in some of the slow movements and, for example, in the rondeau of that same B flat major ouverture and the chaconne of the G minor Concerto Grosso.
But to find parallels and likenesses in the works of other composers isn't enough. Nor should our assessment of Pez depend on the plaudits he received. It need not. The music on this CD is more than merely pleasant and accomplished, stylish and fresh – though it is all of those. The Concert Sonata in F major, for example, is music of real depth and beauty. The musical ideas, gentle and moving, are conveyed by intricate and texturally rich instrumentation. Listen to the Presto (tr.12) for hints of invention and thematic vigor worthy, too, of Vivaldi, or Albinoni. The melody and harmony are dignified, self-assured and inward-looking without taking themselves too seriously.
Of course it needs players open both to allowing Pez' music to speak for itself and untempted to intervene and offer a helping hand; and yet execute with impeccable technique the ideas of his rich world. Les Muffatti are more than up to this task. Their playing displays individuality of expression, and momentum and clarity in equal measure. In fact clarity is a quality particularly to the fore in this also very well-recorded disc. Every note counts, is equally audible and contributes to the way in which the music carries one along with it, although pausing often for reflection and admiration, in best High Baroque fashion.
The standard of playing is very high. The choices of instruments – clearly explained in the accompanying essay by Peter Van Heyghen – well thought-out and appropriate. There is a resulting balance of lightness yet depth to the strings in particular. This makes the music shine and endure on the ear. The pitch is a'=415. With music of such variety, the consistency conferred upon the enterprise by this approach is illuminating and the effect transparent. Even if there were multiple other CDs dedicated to Pez' music (there aren't: only an organ set by Laura Cerutti on Centaur 2700), the delicacy and soundness of Les Muffatti alone would make this disc highly recommendable. They do.
This is a CD to be carefully savored, then. Although the well-written liner notes are at great pains to acknowledge almost every conceivable influence on Pez (he was, after all, exposed to them throughout his life), it must be for his strengths in their own right (and they are indeed legion) that we appreciate a composer who, for many, will be a bit of a 'find'. Pez' music has the striking quality of being challenging in the senses both of confounding expectations (for a 'minor' figure) and of raising them (given his technical abilities and ever-unfolding creativity); and inviting the listener to pay extra careful attention, for example, to the way in which he places movements in contrast and achieves new and exciting sound palettes with very little apparent effort – the G minor Concerto grosso has all of these attributes, for example. Superb!

Mark Sealey

De Standaard (20 November 2007)

De Duitse barokcomponist Johann Christoph Pez is tot op heden voor zowel de meeste musiekliefhebbers als de specialisten een nobele onbekende. Deze fraaie Ramée-cd is daarom de allereerste cd ooit die integraal aan Pez' muziek is gewijd.
Les Muffatti en Peter Van Heyghen stortten zich olangs met hun karakteristieke enthousiasme op deze figuur, die tien jaar na zijn overlijden, in 1716, door Georg Philipp Telemann zelf tot de 'zes meest gewaardeerde Duitse componisten' gerekend werd. Speciaal voor dit project lieten Les Muffatti zelfs nieuwe bogen voor de strijkers maken, om beter aan te sluiten bij de praktijk van het musiceren rond 1700.
Uit Pez' rijke orkestrale oeuvre kozen ze zes werken, die mooi illustreren dat dit meer is dan nog maar eens een ontdekking. Pez was een melodicus in hart en nieren en een verdediger van de typisch Duitse 'gemengde stijl'. Hij kende en bewonderde zowel de Italiaanse muziek (Corelli!) als de Franse componisten, zoals Lully. Hij verenigde in zijn werk het virtuoze en melodieuze karakter van de Italianen met een Franse tendresse, wat keer op keer magnifieke resultaten oplevert.
Voor wie van Duitse barokmuziek à la Telemann houdt, is deze cd een sublieme ontdekking. Les Muffatti leven zich perfect in Pez' stijl in: ze musiceren levendig, kleurrijk, gedetailleerd en met veel zin voor retoriek. Een van de sterkste barok-cd van het jaar.

Diederik Verstraete

www.geocities.com (2007)

[...] Much better was the performance of the serenata I lamenti d'Orfeo by the Italian composer Giovanni Alberto Ristori (1692-1753), who worked at the court in Dresden and became the assistent of Johann Adolf Hasse. This serenata was written in 1749 in honour of Maria Antonia Walpurgis (1724-1780), who in 1747 married Friedrich Christian, who was to become Elector of Saxony. She was a talented musician and composer and her qualities are praised in this serenata, scored for two sopranos (representing Orpheus and his mother Calliope) and orchestra. It was given a concertante performance by the orchestra Les Muffatti, directed by Peter Van Heyghen, which explored the quite colourful orchestration by Ristory very well. Lavinia Bertotti and Elena Cecchi Fedi also gave good accounts of their parts, in their arias as well as the dialogues. Here again we have a composer who deserves more attention than he has been given so far.

Johan van Veen

Brillants débuts des Nuits de Septembre 2006 en la Salle philharmonique de Liège

[...] Dimanche matin, devant un public assez clairsemé — qui aurait sans doute pu être réuni dans une salle moins vaste comme, par exemple, dans un de nos prestigieux édifices religieux — nous avons écouté — outre deux bis en rappel — une sonate, une symphonie, un concert-sonate, un concerto grosso et un concerto da camera de musiciens de la fin du 17^e siècle : Georg Muffat, Arcangelo Corelli (les 2^e et 5^e interprétations) et Johan Christoph Pez (les 3^e et 4^e). Ces découvertes furent remarquablement servies par une vingtaine de jeunes musiciens flamands et francophones issus du Conservatoire de Bruxelles et qui se sont intitulés « Les Muffatti » en hommage au Savoyard Georg Muffat qui, élève de Lully et admirateur du violoniste Corelli, se présentait comme compositeur allemand au tournant des 17 et 18^e siècles.
Leur prestation fut très appréciée par un public qui, bien que connaisseur, prit plaisir à découvrir des œuvres harmonieuses, rarement jouées chez nous. [...]

Jean-Marie Roberti

Goldberg nr. 39 (April 2006)

One of the most delightful, and most earnest, essays in musical diplomacy must surely be Georg Muffat's Armonico Tributo, wherein in French, Italian and Austro-Germanic styles trip amiably through a succession of chamber sonatas in the concerto grosso style « suitable for many or for few instruments ». The multiplicity of accents is perfectly captured in a new recording by Les Muffatti, who elucidate the binary oppositions that form the crux of Muffat's argument (slow/fast, light/dense, solo/tutti, da chiesa/da camera, freedom/discipline) with a rarely-heard elegance et plasticity.
Listen to the dramatic chiaroscuro of the Allegro of the G-minor Sonata; the lightness and rhythmic vitality in the Gavotta of the A major; the superb playing in the multi-sectional Adagio of the E minor; or the varying palette of that beautiful, wistful homage to Lully, the Passagaglia of the last Sonata. Les Muffatti, comprising 10 string players and a continuo of double-bass, harpsichord, organ, guitar and theorbo, under the direction of Peter Van Heyghen, prove to be the perfect size to realising the concerto grosso textures with clarity and economy — without sacrificing the expressive possibilities.
The recorded sound is clean and richly detailed; my only gripe is the slightly recessed harpsichord. Van Heyghen's illuminating booklet essay, a model of rhetorical construction in itself, argues the case for Muffat's inclusion in a pantheon of major contributors to the development of the concerto grosso style that includes Corelli, Biber and (indirectely) Lully. This wonderful recording will surely go some way to furthering that cause.

William Yeoman

http://babugem.blogspot.com (janeiro 2006)

A cadência de Muffat. Classificacão: 9/10

Ando a escutar mais um excelente disco da Ramée. No caso, dedicado ao compositor franco-alemão Georg Muffat (1653-1704) que alguns musicólogos afirmam que poderá ter recebido lições de Jean-Baptiste Lully quando, com a idade de dez anos apenas, rumou a Paris para dar início aos seus estudos musicais que se prolongariam na capital francesa por seis anos. Mais tarde, Muffat viria a ser responsável pela introdução do estilo ballet do mesmo Lully — que consistia em música produzida por um agrupamento de cordas com cerca de vinte elementos altamente disciplinados e exímios na arte da ornamentação — na Alemanha e Áustria.
Em 1978, tinha Muffat 25 anos, quando conheceu, na qualidade de organista do cardeal de Salzburgo, o enorme Henrich Ignaz Franz Biber, outro nome com lugar cativo junto dos mais importantes compositores do período: onde Georg Muffat não surge habitualmente destacado talvez porque parte significativa da sua obra se tenha perdido. Outro encontro decisivo ao processo de maturação da técnica de composição muffateana, teve lugar em Roma quando o compositor apresentou a Arcangelo Corelli algumas das suas mais recentes peças: mais propriamente as que se encontram representadas neste CD — cinco sonatas de câmara no estilo dos concerti grossi — baptizadas de Armonico Tributo. Alguns dos trabalhos de Corelli posteriores ao seu encontro com Muffat também parecem indicar que a influência entre os compositores terá funcionado nos dois sentidos, o que só vem reforçar o carácter justo da presente reavaliação da obra de Muffat: marcada pelo predomínio de cadências graves (aliando os estilos francês, italiano e germânico) e sofisticação harmónica que, segundo o próprio, tinham o propósito de trazer beleza a um mundo ameaçado por conflitos entre as principais nações. Propósito nobre e música extraordinária defendida aqui com « cordas e dedos » pelo Les Muffatti sob a direcção de Peter Van Heyghen, responsável também pela clareza das notas explicativas sobre o músico e o seu tempo. Bravo!

Ricardo Gross

www.drehpunktkultur.at (19 Januar 2006)

Absolut EU-tauglich

Die Eltern waren teils französisch-savoyischer, teils schottischer Abstammung und übersiedelten bald in den Elsass. Von dort kam der junge Georg Muffat nach Paris, um hier eine Ausbildung zum Musiker zu erhalten. Ludwig XIV. war erst seit zwei Jahren König, Lully baute gerade die »Vingt-quatre violons du Roy« und »La petite bande« auf, die Maßstäbe setzenden geigerischen Vorzeigeensembles der Epoche. Über Ingolstadt, Wien und Prag kam Muffat schließlich als »Domorganist und Kammerdiener« nach Salzburg an den Hof von Fürsterzbischof Max Gandolf, wo der Geigenmeister H.I.F.Biber seinen ganz eigenen, virtuos-lautmalerischen Violinstil kreiert hatte. Eine Studienreise führte Muffat — er steuerte mittlerweile auf die dreißig zu — in den achtziger Jahren des 17. Jahrhunderts nach Rom zu Pasquini und Corelli.
Was für eine Sicht auf die damals aktuellsten Musikströmungen! Vieles ist ineinander geflossen in Muffats Musik, speziell in den fünf Kammersonaten der Sammlung »Armonico tributo«. Und er hat — ein spannender Gedanke des niederländischen Aufführungspraktikers Peter Van Heyghen — nicht nur Ideen aufgegriffen, sondern auch weiter vermittelt: Mag sein, dass Muffat, der den Wechsel zwischen großer, brillant-synchroner Streichertruppe und solistischer Reduktion natürlich schon bei Lully erlebt hat, manches davon dem Violinmeister Corelli erzählt, vorgeführt hat. Vielleicht also ist Corelli seinerseits von Georg Muffat beeinflusst worden, vielleicht stand Muffat als musikalischer Botschafter gar an der Wiege jener Concerto-grosso-Technik, die manche (vorschnell) Pasquini und Corelli zuschreiben?
Es ist jedenfalls nicht abwegig, wenn sich ein renommiertes belgisches Ensemble, das sich der barocken Orchestermusik für Streicher verschrieben hat, ausgerechnet nach Muffat benennt. Er war wohl eine Figur im Musikleben seiner Zeit, die den »vermischten Stil« aufs Anschaulichste praktizierte und vermittelte. Die stilistische Vielzüngigkeit (die doch eine plausible, noch dazu persönlich gefärbte Sprache ergibt) ist also auch die Herausforderung, und »Les Muffatti« lösen sie unter der Leitung von Peter Van Heyghen sehr überzeugend ein.
Da sind die langsamen Sätze, die Spannung aufbauenden »Sonate«, mit denen die meisten Sonaten beginnen, die natürlich von französischem Geist beseelten Grave-Sätze und die Sarabanden. Und dann sprudelt italienisches Temperament in den raschen Sätzen mit launigen wie virtuosen Ripieno-Abschnitten. »Les Muffatti« halten eine gute Balance zwischen musikantischem Zugriff und gezierter Noblesse, zwischen »Italiänischer Manier« (wie Muffat schreibt) und der munteren »auß Lullianischen Brunn geschöpffter Lieblichkeit«. Der Komponist war sich übrigens der Tatsache wohl bewusst, dass er mit seiner Vermittlertätigkeit zwischen den Stilen seinen Zuhörern Neuland erschloss: als ein musikalischer EU-Botschafter wohl, würde man heute sagen...

Reinhard Kriechbaum

Fanfare

This fine disc introduces a recently formed young ensemble that since its debut in 2004 has already established itself in Europe, with invitations to play at a number of prestigious festivals. The origins of Les Muffatti stem from a group of former students of the conservatory in Brussels who formed the ensemble under the direction of Peter Van Heyghen with the purpose of exploring the string orchestral repertoire of the late 17th and early 18th centuries. The choice of name is a tribute to a composer who played a major, if still underestimated, role in the development of that repertoire, and who quite properly forms the subject of Les Muffatti’s first disc.
And what splendid pieces the concertos of “Armonico Tributo” are! They were first published in Salzburg in 1682, where Georg Muffat (1653–1704) had found employment as organist and valet at the court of Archbishop Maximillian Gandolf after a peripatetic career that had already taken him from his native Savoy to Lully’s Paris, Vienna, and Prague, where he became acquainted with the music of Schmelzer and Kerll. At the beginning of the 1680s, Muffat gained permission to travel to Rome for further study. There he went to Bernardo Pasquini, the leading Italian keyboard virtuoso, and, crucially, came into contact with Corelli. Muffat’s well-traveled background played a major role in forging a style embracing truly pan-European influences.
Those influences, above all the fusion of Lully’s rich five-part string-writing and the Corellian concerto grosso, are strikingly in evidence throughout the five sonatas or concertos that make up “Armonico Tributo,” a set later substantially revised by Muffat and issued with seven further concertos in 1701. It has always been assumed that Muffat composed them in imitation of Corelli’s Concerti grossi, op. 6, but Van Heyghen’s informative note points to problems of chronology with this theory. He speculates that there is indeed the possibility that the influence was mutual, and that Corelli borrowed from Muffat such devices as Lully’s unified bowing. Whatever the truth, the attentive listener will have no problem in identifying clear stylistic parallels with not only Lully (especially in the dance movements) and Corelli (the breadth and depth of the many Grave movements, with their typical suspensions), but, more occasionally, the virtuosity of Schmelzer and Biber (the E-Minor Sonata/iii, for example).
Proof that a true “orchestral” style was still in an evolutionary state at the time Muffat composed “Armonico Tributo” can be found in the extreme flexibility of performing forces Muffat was prepared to countenance. This ranges from just three players to full-scale concerto grosso performance with a concertino (solo) group of two violins and cello supported by a body of ripienists. Previous recordings have reflected these various options, with Peter Holman’s Parley of Instruments representing the minimalist, one-on-a-part approach on a 1971 Hyperion recording, while Ensemble 415 under Chiara Banchini chose to emulate the large-scale performances of Corelli’s big Roman bands by employing no fewer then 37 performers (Fanfare 20:1).
Les Muffatti are closer to Holman, employing a string band of 6–2–2–1, although the close, resonant sound frequently makes the complement sound larger. The performances are fresh and invigorating, although those prone to describing period string tone as “acerbic” may be less than happy. It has to be admitted, too, that intonation among the concertino-players (who vary with each concerto) is not always perfect. But such small flaws are easily put aside in the context of so much that is excellent. Particularly admirable are dances that really inflect the rhythm of dance, rather than just mark the pulse, the linearity, depth, and breadth Les Muffatti bring to the elegant, often noble slow movements, and the skill with which it exploits Muffat’s fine contrapuntal writing. All three of the discs mentioned bring something distinctive to these works, with Ensemble 415’s sumptuous performances perhaps the safest recommendation. But Les Muffatti’s vital, more challenging version can certainly join it as a valid alternative. Most important, if you don’t know these concertos, which are fully worthy of being placed alongside those of Corelli, it is high time you did.

Brian Robins

Crescendo (janvier/février 2006)

Au Palais des Beaux-Arts, Muffat, Telemann et Haendel

Un public très nombreux se pressait pour le concert donné par les Muffatti dans le cadre de la série « Dimanche au Mont des Arts ». Heureuse surprise pour les instrumentistes de l'Ensemble qui ne s'attendaient pas à ce que l'on doive retarder le début de leur prestation à cause d'une pénurie temporaire de sièges. La sortie récente et tellement appréciée de leur CD consacré à des oeuvres de leur « parrain artistique », Georg Muffat, n'était certainement pas étrangère à cet engouement. Agé d'environ dix ans, l'Ensemble a été créé par d'enthousiastes élèves du Conservatoire de Bruxelles qui, en plus de poursuivre leurs formations personnelles, ont travaillé régulièrement en sollicitant les conseils de guides éclairés, dont Frédéric de Roos, les frères Douchy et, plus récemment, Peter Van Heyghen qui allait devenir le directeur musical d'une phalange qui comptait bien se faire un nom dans le monde de la musique baroque. Le moins que l'on puisse dire est que cet objectif semble atteint. Muffat (bien sûr !), Telemann et Haendel étaient au programme du concert, personnalités bien affirmées qu'il s'imposait de bien mettre en lumière. Plutôt que de choisir une ligne moyenne, compromis qui pourrait convenir aux trois compositeurs, Peter Van Heyghen a plutôt opté pour la valorisation des éléments constitutifs de leurs identités respectives. On est ainsi allé d'une Sonate en sol mineur extraite de l'Armonico Tributo de Muffat au Concerto grosso en ré majeur de l'opus 6 de Haendel en passant par une surprenante Ouverture en sol mineur « La changeante » de Telemann en parcourant trois mondes différents, esquissés et colorés en fonction de leurs atmosphères intrinsèques. La connivence qui rassemble les instrumentistes et les unit à leur chef est une grande et belle évidence. Elle laisse augurer d'un bel avenir, les projets ne manquent semble-t-il pas. Souhaitons à ce sympathique petit monde qu'ils puissent être entrepris dans le même esprit que celui qui l'anime actuellement. À son enthousiasme si bien guidé a répondu celui moins discipliné d'un public séduit à juste titre par ce qui lui avait été si généreusement présenté.

Alain Derouane

American Record Guide (January/February 2006)

Except for the concertos, this set of five chamber sonatas probably constitutes the best known part of Georg Muffat's work. Musicologists are still speculating about the German-born Muffat and Corelli just who influenced whom. These sonatas were published in 1682, while Corelli's sonatas weren't published until after 1681. Certainly we know that the two men met each other and that Muffat's sonatas had trial performances in Corelli's house.
I have reviewed two other recordings of Muffat's Armonico Tributo, the first from Symphonia (J/F 2002) and the second from Helios (S/O 2005). Both are excellent renditions, and another reviewed by Mr Loewen was characterized as « gorgeous » (J/F 2005). This new release is gorgeous, too, and a little different from the first two I reviewed. Those are both done by small ensembles, as indicated in the original scoring of the sonatas: two violins, two violas, and basso continuo. Mr Loewen doesn't indicate how big the ensemble is on the Albe release, but Les Muffatti here is quite good sized, with six violins, two violas, two cellos, a double bass, and harpsichord, organ, and guitar or theorbo. The sound is very full, and it adds a new dimension to these delightful sonatas. They stand up very well to a larger ensemble; indeed, once one hears them played this way, it's hard to imagine them without such full sound. Their oft-noted resemblance to Corelli's concertos is even more marked with the larger ensemble.
Les Muffatti is a new orchestra, having made its debut in Brussels in June 2004. The orchestra plans to major in compositions for strings orchestra in the late 17th and early 18th Century.

Crawford

Musica (gennaio 2006)

La presente esecuzione si colloca, quanto a risorse strumentali, in una giusta via di mezzo, senza introdurre strumenti o prassi esecutive provenienti dal futuro. L'ensemble belga Les Muffatti sembra dunque aver preso, oltre al nome, la giusta misura del compositore eponimo. Il risultato convince. Ne viene anzitutto una sonorità chiara e trasparante, in cui le parti si armonizzano senza tuttavia perdere la propria individualità. E questo permette di apprezzare appieno le particolarità stilistiche ed espressive dell'opera. Le varie sonate, alternativamente in maggiore e in minore, non hanno una struttura esattamente ripetitiva, ma sono di massima costituite da un'introduzione in grave, seguita da un allegro fugato e da vari movimenti di danza alternati con altri gravi. Specialmente i movimenti lenti recano un'impronta di solennità corelliana, con cui contrasta piacevolmente la vivacità dei movimenti di danza. La scrittura è dischiaratamente non virtuosistica ma molto variata. L'esecuzione è precisa ed equilibrata nei tempi e nella dinamica, espressiva senza ricorrere a effetti plateali, pulita nel suono. Il libretto contiene un breve saggio del direttore Peter Van Heyghen, in cui si propone un ruolo più paritario di quanto comunemente ammesso nel rapporto fra i due coscritti-classe 1653: nello scambio di know-how fra Muffat e Corelli, anche quest'ultimo avrebbe tratto qualche ideuzza — di provenienza mitteleuropa — che gli sarebbe tornata buona in seguito.

Giancarlo Bernacchi

Fono Forum (Januar 2006)


Empfehlung des Monats. Musik und Klang: hervorragend
Sensible Klangkultur

Georg Muffats »Armonico tributo« besteht aus fünf fünfstimmigen Streichersonaten, die der Komponist 1682 unmittelbar nach seiner Rom-Reise veröffentlicht hat. Sie bieten, gewissermaßen als Kondensat der ausgiebigen Studien in Paris, Wien, Prag und Rom, eine gelungene Synthese französischer, süddeutscher und italienischer Stilelemente. Aus den detaillierten Beschreibungen der jeweiligen Aufführungspraxis, die Muffat seinen Publikationen mehrsprachig voranstellte, ist sein Bestreben zu erkennen, dem Musikleben in ganz Mitteleuropa neue Impulse zu versetzen. Bezeichnend ist, dass er dabei einerseits höchsten Wert auf das richtige Tempo, den richtigen Bogenstrich und die richtige Artikulation legt, andererseits in Besetzungsfragen den Musikern große Freiheiten lässt.
So kann man den »Armonico tributo« rein solistisch spielen, wie es The Parley of Instruments (Hyperion) und Ars Antiqua Austria (Symphonia) getan haben, oder in einer »römischen« Mammutbesetzung, wie sie das Ensemble 415 vorgestellt hat (Harmonia Mundi France), oder mit einem kleinen Kammerorchester, wofür sich La Stravaganza Köln (MDG) und nun auch Les Muffatti entschieden haben.
Jede Version hat ihren Reiz, doch insgesamt hinterlässt die vorliegende Neueinspielung den bei weitem besten Eindruck. Dies liegt nicht nur an der bemerkenswerten Ensemble-Homogenität, sondern vor allem daran, dass Peter Van Heyghen mit seinen Musikern die Eigenarten der jeweiligen Stilelemente am deutlichsten herausarbeitet. Die Eleganz der französischen »inégalité« ist dabei ebenso bestechend wie der italienische Schmelz und die süddeutsche Geigenvirtuosität. Außerdem warten Les Muffatti mit einer sensiblen Klangkultur belgischer Provenienz auf, die dieser geschmeidigen Musik höchste Gerechtigkeit widerfahren lässt.

Matthias Hengelbrock

Early Music Review n° 110 (December 2005)

This CD might be a year late for the tricentenary celebrations, but it definitely deserves to be a great success: Les Muffatti are certainly a force to be reckoned with. This version of Muffat's Armonico Tributo has gone right to the top of my playlist. There's something about their playing that just had me singing and dancing along with every single movement on the disc. Yes, I know the music inside out, but they made it seem so fresh, so lively. Even the darker movements (long chains of suspensions over a Corellian walking bass) are broad rather than gloomy and never lacking direction. The great Passacaglia at the end is a triumph. I hope we'll get to hear lots more from Les Muffatti.

BC

Diapason n° 530 (novembre 2005)

On considère traditionnellement l'Armonico Tributo, publié par Muffat en 1682, comme un hommage à Corelli dont il fut sinon l'élève, du moins un admirateur curieux. L'édition de l'Opus 6 de Corelli étant postérieure (1714) au séjour romain de Muffat, toutes les questions sont permises. Quoi qu'il en soit, les cinq « sonates pour orchestre » de Muffat représentent une synthèse extraordinaire du concerto grosso et de la suite française. La gravure de l'ensemble 415 avait voici dix ans posé les jalons d'une esthétique pertinente et novatrice : effectif monumental et phrasés « taillés dans le marbre », tempos, ornementation cernaient au plus près un style d'écriture riche et complexe. À la tête d'une formation plus réduite, Peter Van Heyghen coupe la poire en deux et mise d'avantage sur cette « manière de tenir l'archelet » propre à « la vivacité et douceur des airs de ballets à l'imitation de feu monsieur Baptiste de Lully ». Les Grave sont animés de tensions et de détentes habilement dosées, la couleur instrumentale diversifie la matière harmonique, les effets dramatiques sont saisissants. Les danses étonnent et brillent par l'utilisation d'une ornementation subtile qui doit autant à Schmelzer qu'à Lully. En tous cas, elle paraît ici naturelle dans sa variété dynamique et expressive. La couleur du tutti est particulièrement réussie, l'orgue, le théorbe et le violon créant des éclairages spectaculaires sur un tissu de cordes toujours mobile. Le langage du genre est parfaitement assimilé : l'immense Passacaille en sol l'illustre magistralement et ne souffre d'aucun moment de faiblesse. Partenaire incontournable de cette réussite, la prise de son rends compte de la cohésion de l'ensemble et fourmille de détails savoureux.

Philippe Ramin

La Libre Belgique (30 novembre 2005)

Les Muffatti sont devenus grands

[...] En toute logique, le premier disque des Muffatti est consacré à cinq « sonate di camera » de Georg Muffat, regroupées sous le nom de « Armonico Tributo », des pièces sensuelles et savantes à la fois, que l'ensemble a enregistré pour Ramée, jeune label de musique ancienne fondé et dirigé par Rainer Arndt. Le résultat — qui bénéficie d'une excellente prise de son — est magnifique de vie et de couleurs, de style, d'aisance. [...]

Martine D. Mergeay

Pizzicato Nr. 156 (Oktober 2005)

Musik eines Pazifisten

Georg Muffat, ein österreichischer Komponist französischer Herkunft, lebte von 1653 bis 1704, studierte u.a. bei Jean-Baptiste Lully in Paris und bei Arcangello Corelli in Rom und war ab 1690 Kapellmeister des Fürstbischofs von Passau. Durch die Verarbeitung französischer und italienischer Stilelemente gab er der deutschen Instrumentalmusik wichtige Impulse. Zu seinen wichtigsten Werken gehören die Kammersonaten des 1682 veröffentlichten Armonico Tributo. In ihm findet sich nicht nur seine stilistische Meisterschaft, sondern auch seine Lebensphilosophie wieder: Muffat war in kriegerischen Zeiten ein Pazifist (»Die kriegerischen Waffen und ihre Ursachen seyn fern von mir«) und in der Hinsicht ein Idealist, als er glaubte, seine international gefärbte Musik könnte eine friedensstiftende Wirkung haben.
Dass Muffat etwas weiter dachte, als an die Form seiner Kompositionen, hört man in diesen tief schürfenden Interpretationen, die bei aller Lebendigkeit des Musizierens die Ernsthaftigkeit der Musik Muffats vermitteln.

Rémy Franck

De Standaard (1 Oktober 2005)

Er zijn zo van die werken die in elke muziekgeschiedenis een belangrijke plaats wordt toebedacht, maar die bijna nooit te horen zijn in de concertzalen of op cd. Zo'n bundel is ongetwijfeld Armonico tributo, vijf sonates voor instrumentaal ensemble van Georg Muffat die in 1682 in Salzburg het licht zag. Muffat was toen net terug van een langdurig verblijf in Rome, waar hij vooral onder de indruk was gekomen van de muziek van Arcangelo Corelli. Muffat hoorde Corelli zelf zijn concerti grossi uitvoeren en speelde de vereerde Italiaanse meester ook enkele van zijn eigen probeersels in dit genre voor. Tot voor kort werd aangenomen dat Muffat veel van Corelli heeft geleerd, maar in zijn interessante tekst bij de cd suggereert Peter van Heyghen dat de beïnvloeding wederzijds was. Muffat zou samen met Corelli een cruciale rol gespeeld hebben in de ontwikkeling van het barokke concerto grosso. Corelli's beroemde Concerti grossi opus 6 zouden zelfs grotendeels schatplichtig zijn aan Muffat, en als je naar Muffats muziek luistert, kun je deze denkpiste alleen maar onderschrijven. Vaak hoor je typische Corelli-trekjes, maar dan net iets anders toegepast. Hoe dan ook, deze nieuwe, frisse opname van de vijf sonates uit Armonico tributo is meer dan welkom. Muffat stipte zelf aan dat deze werken solistisch of met meer instrumenten per partij kunnen worden uitgevoerd - Van Heyghen kiest samen met het ensemble Les Muffatti gelukkig voor een meervoudige bezetting, zodat het concerterende karakter van deze boeiende muziek goed tot zijn recht komt.

www.ramifications.be (24 août 2005)

L'ensemble bruxellois Les Muffatti consacre depuis 1996, et comme son nom l'indique, une place prépondérante à l'œuvre de Georg Muffat dont le souvenir est souvent occulté par les resplendissantes figures de son époque : Lully, Corelli, Biber, qu'il fréquenta d'ailleurs et dont il mélangea consciemment les enseignements. Ce Savoyard qui vécut en Alsace passa six ans à Paris où l'on suppose qu'il observa très certainement l'évolution du ballet de cour de Lully, comme sa Petite bande, ensemble à cordes férocement discipliné aux ornementations sophistiquées. Muffat ne se targua-t-il pas, en 1698, d'avoir introduit le ballet lulliste en Allemagne et en Autriche ? Mais ses multiples voyages en Bavière, à Vienne et à Prague lui permirent également de rencontrer Schmelzer et Kerll qui mêlaient volontiers la tradition de leur pays aux influences françaises et italiennes. Biber, qu'il vit à Salzbourg et Corelli qu'il rencontra souvent à Rome, marquèrent puissamment son Armonico Tributo, Corelli lui ayant même prodigué quelques conseils pour ses sonates. Cependant, la personnalité de Muffat réside dans la synthèse de ces différents styles et traditions : s'il n'invente rien, il rassemble ses émotions musicales éclectiques en un langage souple et harmonieux qui invite à la danse gracieuse toujours raffinée.
Les Muffatti, sous la direction méticuleuse de Peter Van Heygen, en révèlent les nuances chatoyantes, l'élégance légère, dont la solennité reste chaleureuse et sans pompe superflue. On y perçoit de savants plaisirs ponctués de troublantes méditations, touchantes et pudiques. Les contrastes émeuvent et leurs virevoltes soulignent la discrétion et la retenue d'élans furtifs qui gagnent alors en force.

Isabelle Françaix

www.klara.be

Quotering: 4/5

Onze mening Georg Muffat werd in 1653 in Frankrijk geboren, maar hij zag zichzelf eerder als een Duitse componist. Dat hij daarnaast ook nog eens beïnvloed werd door Franse en Italiaanse muzikale stijlen, is duidelijk te horen in vier belangrijke bundels, geschreven en gepubliceerd tussen 1682 en 1698. De vroegste van deze cycli, met de titel 'Armonico Tributo', bestaat uit vijf sonates, waarin Muffat (met zijn Italiaanse hoed op), verschillende technieken à la Corelli inbouwde, waaronder de afwisseling van tutti en concert-passages. Muffat had ooit verschillende concerto's van Corelli door een grote groep muzikanten horen uitvoeren, en hij was daardoor wel gecharmeerd. Daarom schreef hij zijn eigen sonates voor een klein of voor een groot ensemble. Beide zijn authentiek, en beide zijn mogelijk. Zo'n tien jaar geleden maakte het Ensemble 415 o.l.v. Chiara Banchini een 'big band'-opname van dit 'Armonico tributo'. Deze Harmonia Mundi-cd is intussen helaas verdwenen uit de catalogus.
En dus een warm welkom voor deze nieuwe opname van Les Muffatti, een groep die in 1996 werd opgericht door studenten van het Brusselse Conservatorium en die onder leiding staat van Peter Van Heyghen. Zij kiezen voor een kleinere bezetting van zes violen, twee altviolen, twee cello's, één contrabas, en nog een klavecimbel, orgel en gitaar. Het resultaat is een gecultiveerde en doorzichtige samenklank, met toch voldoende 'body'. Een nadeel is misschien dat het onderscheid tussen de tutti en de solo-gedeelten voor twee violen en cello minder duidelijk wordt. Het spel van Les Muffatti is levendig, delicaat en homogeen. Prachtig ook hoe ze de verschillende dansen (de gavottes van Sonate nr.1 en 3 bijvoorbeeld) elk hun eigen karakter en schwung geven. De natuurlijke, doorzichtige opname (gemaakt in het Sint-Martinus Kerkje van Tourinnes-la-Grosse) en het sobere hoesje maken deze stijlvolle Belgische uitgave helemaal af!

Bart Tijskens